4 марта в Мраморном дворце открылась выставка «Поколение тридцатилетних в современном русском искусстве», посвященная творчеству художников поколения тридцатилетних. В произведениях, представленных на выставке, находят отражение характерные черты «миллениалов», тех, кто родился в 1980-е — 1990-е годы. Этими характерными чертами нового поколения художников является смещение границ личного и публичного, желание в искусстве говорить о собственных внутренних переживаниях, страхах, травмах и опыте. Важным представляется и стремление к выходу искусства в общественное пространство, на улицы, выбирая город своеобразной средой обитания, вступая с ним в художественный диалог.

В состав экспозиции вошли произведения более 40 авторов, выполненные в различных техниках, что во многом обусловлено общим интересом художников к эксперименту с материалом. Помимо живописных работ здесь представлена графика, скульптура, объекты и инсталляции, видео. Экспозиция делится на три тематические части — «Диалог с материалом», «Внутри себя», «Среда обитания», каждая из которых демонстрирует характерные аспекты и направления в творчестве художников.

В рубрике «Экскурсия для чтения» об избранных экспонатах читателям журнала Точка ART рассказывают кураторы выставки Анастасия Карлова и Мария Салтанова, а также хранитель Отдела новейших течений Русского музея Валентина Беляева.

«ДИАЛОГ С МАТЕРИАЛОМ»

Одной из главных тенденций в творчестве молодых художников стало переосмысление традиционных художественных техник и поиск современного художественного языка. Темой «Диалог с материалом» объединены художники, которые переосмысливают материал, экспериментирую, хулиганят, отказываются от него или возвращаются к нему.

Открывает выставку работа молодой художницы, выпускницы кафедры художественного текстиля Мухинского училища Полины Орловой «Тело авангарда». Изломанные фигуры, которые при ближайшем рассмотрении оказываются вытканными вручную, символизируют поколение автора: как некие современные атланты они приняли на свои плечи всю тяжесть момента, и вопрос, выдержат ли, сумеют ли распрямиться, остается открытым.

В 2010-е годы материал как носитель смысла становится и темой творчества, и инструментом, и объектом художественного осмысления. Одна из самых ярких художниц этого поколения, петербургский скульптор Антонина Фатхуллина, работает с металлом, используя прутья, трубы, проволоку, сетку, работая нетипичным для женщины методом сварки и ковки. Она создает огромные скульптуры, которые можно найти во многих странах мира. На выставку в Русский музей попали две небольшие композиции, «Дух» и «Союз Земли и Воздуха».

Скульптурная композиция «Союз земли и воздуха» родилась после участия автора в одном из сеансов Школы активного рисования и перформативного позирования. В названии — отчасти диалог с Рубенсом, в воплощении — баланс между плотностью и легкостью. Мы видим фавна, обнимающего нимфу. Фигура фавна, выстроенная из керамзитовых гранул, плотная, тактильная, кажется вышедшей из-под земли. Женская фигура выполнена из проволоки, ее изгибы напоминают карандашную линию, как будто сошедшую с листа. Она кажется невесомой, парящей. Земля и воздух у Фатхуллиной показаны как противопоставление материала и бесплотного пространства.

Еще один художник, работающий с металлом, Константин Бенькович. Он создает объекты методом ковки и сварки, используя металлические трубы и арматурный прут. Материал имеет для него символическое значение. Решетка, которая лежит в основе большей части его работ, ассоциируется с темой несвободы и отсылает к политическим, социальным и религиозным темам.

Из металлической решетки создана и инсталляция «Фейсбук». Художник заполняет силуэт логотипа крупнейшей социальной сети слоями решеток и ломает его на две части, такое ощущение, что он сносит ему голову. Из места слома вырывается пламя, подчеркивающее высвобожденную энергию. По словам художника, мотивом к возникновению работы стала его личная зависимость от соцсетей. Инсталляция, согласно задумке автора, должна вывести человека из состояния комфорта и уверенности, стать началом в осознании цифровой несвободы.

Тридцатилетние — это единственное поколение, которое в юном возрасте вошло в сети, и оказалось самым интернет-зависимыми. Кто родился с телефоном в руке, тот пытается бороться с ней и эта работа — о том, как побороть эту зависимость.

Еще один смысл, который можно прочесть в этой работе, заключается в том, что время фейсбука уходит, поколение тридцатилетних прощается с этой социальной сетью, находя себя на других цифровых платформах.

Скульптуры Петра Дьякова, также размещенные в зале «Диалог с материалом», акцентирует внимание зрителя на взаимодействии мастера с материалом — его интересуют касания, движения рук, ритмика работы — все, что говорит о самом авторе, что обнаруживает скрытые от публики творческие поиски, воплощенные в этих жестах. Рукотворность в скульптуре Дьякова возведена в качество художественного приема. Этот перенос внимания с изображения на процесс его создания, стремление показать и утвердить присутствие автора демонстрируют ту же тенденцию, которая проявилась в главном тренде петербургского искусства 2010-х годов — актуальном рисовании.

Академический скульптор по образованию, Дьяков задается вопросом о языке скульптуры в XXI веке. В работе «Nura», по сути, он создает слепки самого себя — но не в форме традиционного автопортрета, а в форме фиксации собственного творческого процесса. «Nura» может восприниматься и как документация этапов работы над скульптурным изображением, и как диалог с монументальной скульптурой.

Доминантой зала, посвященного «Диалогу с материалом», несомненно, является произведение Покраса Ласпаса, которое можно назвать «Искусство каллиграфии». Покрас Лампас — художник, работающий с городским пространством, но не причисляющий себя к стрит-арту. Скорее он каллиграф. В тексте его интересует не только содержание, но, в первую очередь — шрифт, движение кисти, конфигурация букв, фактура. Он экспериментирует, соединяя арабскую вязь с древнерусскими шрифтами, сбивая зрителя с толку. При этом его работы рождают ассоциации одновременно с восточными коврами, платками и древними свитками. Он покрывает своими шрифтовыми композициями, как орнаментом, гигантские площади — пространство перед стадионом Локомотив (более 11 тысяч квадратных метров), крыша дома в Шанхае, проект для Fendi «Что такое миллениал». Текстовые эксперименты, нагруженные символикой древних языков, в сочетании с масштабами его работ, читаемых только с воздуха, оставляют ощущение космического послания.

---

«ВНУТРИ СЕБЯ»

Второй раздел выставки носит название «Внутри себя». Погруженность в себя, рефлексия, потребность к самовыражению и саморазвитию — черты, характерные для миллениалов всего мира. Их взросление пришлось на период быстрой социальной, научной, культурной и технологической эволюции и глобализации. Доступность получения информации в Интернете и средств коммуникации дает ощущение сопричастности ко всему миру. Открывшиеся информационные возможности головокружительны, но качество и достоверность информации порой вызывает вопросы, появляется необходимость критического, аналитического отношения к ней. Для художественной среды важна возможность изучения мирового опыта, и визуального, и философско-теоретического. Именно художники-миллениалы — это первое поколение в России, имеющее возможность получить профессиональное образование в контексте «contemporary», они самые эрудированные в области истории искусств ХХ—ХХI веков, знают западные музеи и участвуют в биеннале, ездят на стажировки и в курсе мировых трендов. Современное искусство мыслится интернациональным, в идеале важным становится высказывание, понятное всему миру.

В творчестве художников-миллениалов сюжеты из реальной жизни переплетаются с фантазиями и страхами, смешиваются с причудливыми ассоциациями. В каждой вещи — эмоции и впечатления, зафиксировать мимолетность ощущения быстрее всего можно с помощью рисунка, ставшего одним из наиболее популярных средств выражения. Такова и работа Леонида Цхэ «Лера и еж». Леонид Цхэ — выпускник, а с 2010 года и преподаватель Санкт-Петербургской Академии художеств имени Репина — объединяет вокруг себя группу художников-единомышленников, экспериментирующих с рисунком. Цхэ стремится уйти от строгости академической графики, в которой ему не хватает телесности, ощущения присутствия личности автора в самом произведении. В рисунке «Лера и еж» он обращается к сумбурному, хаотичному, как будто расфокусированному видению, а незаконченность и эскизность становятся главными приемами его работы. Глядя на работы Цхэ, создается впечатление, что это художник, который пытается разучиться рисовать, пытается убрать из себя ремесленника на всех уровнях.

Абстрактная линия живописи получает развитие в 2010-е годы в творчестве Влада Кулькова. В его полотнах, выполненных в стиле биоморфной абстракции, узнаваемым приемом стало использование бесконечных закручивающихся линий и живописных пятен. В картине «Тропой паука», сопоставляя тонкие графичные штрихи и экспрессивно нанесенные широкие тягучие мазки, предлагая неожиданные контрасты и тонко подобранные колористические сопоставления, Кульков обращается к области бессознательного.

Еще одно символичное значение работы Влада Кулькова в том, что пауки — это всегда сети. А сети — это всегда тридцатилетние.

Работа Анны Мартыненко «Пакет» из проекта «Порядок вещей» посвящена сопоставлению физического и информационного мира. Автор обращает внимание на то, что сегодня, как никогда раньше, информационное поле расширилось настолько, что начало довлеть над реальной осязаемой окружающей средой. Импульсом к созданию работы стал обычный полиэтиленовый пакетик с хлебными крошками: прикрепленный к вертикальной поверхности, он приводится в движение простейшей электрической схемой, двигается, шуршит, «дышит»; верхняя часть инсталляции — геометрическая проекция пакетика, его чертеж, в котором показаны физические свойства: площадь поверхности, градации серого, количество вершин, размеры сторон. Художница размышляет о том, как с развитием технологий все документируется, исследуется, и задается вопросом, что важнее — процесс, результат, или первоначальный импульс в виде пакетика?

Тактильность — ключевой момент и отличительная черта многих работ, объединенных темой «Внутри себя». В инсталляции Александры Лерман «Swipe Swipe Swipe» смартфон выступает в качестве связующего звена между реальностью и виртуальностью. Движения пальцев по сенсорному экрану здесь представлены в виде отпечатков и углублений на глиняных прямоугольниках, которые безошибочно считываются зрителем как следы взаимодействия пользователя со смартфоном. Смартфон становится объектом поиска, темпераментного, иногда раздраженного действия, «свайпы» подчас похожи на гримасы. Частью инсталляции стала стена, окрашенная в цвет rose gold, который иногда называют цветом миллениалов.

В работе Александры Лерман — отражение целого поколения, которое, с одной стороны, живет, не расставаясь со смартфоном, с другой стороны довольно критически относится к цифровой зависимости; эта работа — попытка понять, как ты проводишь свое время, как ты проводишь свою жизнь.

Семен Мотолянец — художник, избравший в качестве своего основного медиа хозяйственное мыло. Материал, наполненный смыслами, явными и скрытыми значениями (от чистоты до жертвенности), постепенно начал превращаться в тему и объект изображения с помощью других художественных методов. Пирамидки из кусков мыла, воплощенные в керамике, обманывают своей правдоподобностью. Но в данном случае автор использует имитацию для того, чтобы с помощью керамики — крайне устойчивой к временным изменениям — подчеркнуть недолговечность и нестабильность мыла как материала. Меняющее цвет (мыльный колер исчезает буквально через несколько лет, и мыло становится коричневым), меняющее форму (быстро трескается, разваливается), фактуру (теряет блеск и гладкость) — мыло ускользает, убегает из рук, символизируя невозможность поймать и остановить время. Керамические пирамидки, представляющие куски мыла разной степени старения (от почти новых до крошечных обмылков), становятся поводом для философского размышления.

Иногда субъективные переживания художников трансформируются в психоделические грезы, населенные странными, вымышленными персонажами. Техника, ассоциирующаяся с областью детского, наивного или любительского творчества — выжигание по дереву — стала излюбленным медиа для Федора Хиросигэ. Художник-перформансист, который появляется на выставках в образе человека-гриба (надевая на голову огромную конструкцию из ткани — цветной гриб), развивает собственную мифологию в серии работ на дереве. Проект «Годы учения пси» посвящен фантазии на тему постапокалипсиса. Сверх-существа будущего — это одушевлённые грибы, которым удалось построить гармоничную цивилизацию, где наконец достигнут справедливый миропорядок. Художник иронизирует над антропоцентризмом, позитивной наукой и верой в технический прогресс и цифровой образ будущего.

Еще один полуфантазийный мир — в коллажах Марьи Дмитриевой. Они живописны, графичны, в каком-то смысле скульптурны. Используя вырезки из глянцевых журналов, она создает объемные изображения — от портретов современников до вымышленных пейзажей. В работе «Без названия», играя фактурой бумаги, используя фрагменты разных размеров, предлагая неожиданные сопоставления цвета и вырванных из контекста визуальных образов, автор приглашает зрителя в новый полуабстрактный мир. Сотканные из частей других изображений, такие работы несут немыслимый хор безымянных голосов, коррелируя с современным нескончаемым информационным потоком.

Для этого периода характерно и широкое распространение видеоарта как наиболее доступной сегодня формы фиксации реальности. Видео становятся и частью инсталляций, и самодостаточными произведениями. Лера Нибиру, развивающая постконцептуальную линию в отечественном искусстве, в качестве основного художественного языка избрала анимацию. Тема сновидений и психоделических фантазий, которая возникает во многих ее работах, обретает особое значение в эпоху раздвоения реальности. Появлению анимационного фильма «Путешествие по ту сторону сна» предшествовало создание серии рисунков и издание книги. Фильм посвящен поискам границы между сном и явью. Главный персонаж видео — девочка — путешествует от земного к космическому пространству, пытаясь понять, спит она или бодрствует, кто она и что ищет. Часто Нибиру создает работы в традиционных художественных техниках, а потом уже возникают анимационные фильмы. Например, проект «Путешествие Кромхеля на седьмое небо» изначально существовал в виде масштабной авторской книги, а затем получил развитие в формате видео.

---

«СРЕДА ОБИТАНИЯ»

Третья часть выставки посвящена «среде обитания» миллениалов. Для них особое значение имеет возможность выхода во «внешний мир», в общественное пространство. Своеобразным знаком поколения стал стрит-арт. Это в большей степени социокультурное явление, нежели художественное течение. Стрит-артисты часто не являются профессиональными художниками, поэтому процесс перехода их произведений в музейные залы ведет к неоднозначным последствиям. Изъятые из городской среды, они часто утрачивают свою специфику, а иногда и смысл, ведь город в данном случае сам становится материалом.

Художник создает своего рода послание для будущих поколений. В работах в городском пространстве Владимир Абих часто соединяет интернет-среду и среду города, демонстрируя их тесные связи в XXI веке. Он помещает на стены петербургских домов автопортреты, которые мимикрируют под оригинальные архитектурные маскароны. Располагая их в замке арки или над оконными проемами, выбирая белый фон для белой пластики, художник добивается эффекта их органического слияния с фасадами исторических зданий XIX века. Повсеместное увлечение селфи и болезненное стремление запечатлеть себя на сотнях фотографий, характерное для нашего времени, Абих трансформирует в попытку увековечить свой образ в пространстве города. При этом автору удается сохранить инкогнито: на всех автопортретах он изображен в очках.

Граффити и городское пространство в качестве сюжета использует в своих работах Павел Плетнев. Художник работает в достаточно редкой для современного искусства технике макетирования. Из маленьких оконных ячеек-сот, за каждой из которых стоит чья-то личная история, он собирает инсталляции, оставляя между частями пустоты, или сознательно размещает их по отдельности, подчеркивая ощущение одиночества. Его занимает эстетика спального района «со всеми вытекающими» — заброшенными ржавыми машинами, помойками, «прыщами» кондиционеров и, конечно, граффити. Но людей в его мире мы не видим, лишь атрибуты, свидетельствующие об их присутствии — трогательные занавески на окнах или горшки с цветами.

---

Цифровая и виртуальная культура настолько прочно вошли в жизнь человека, что осмысление этих глобальных изменений в мышлении, в восприятии мира и образе жизни оказалось объектом художественного поиска авторов поколения миллениалов. Интерес к интеграции различных материалов и техник, к противопоставлению и игре медиа стал одной из ключевых тенденций в петербургском искусстве второго десятилетия ХХI века.

---

Также на сайте журнала вы можете совершить виртуальные экскурсии по выставкам:

Художественное наследие семьи Клодтов: гид по выставке в Русском музее
Фаберже для дам: топ-10 женских подарков от великого ювелира
Скульптурный парк Beaufort: самые впечатляющие арт-объекты бельгийского побережья
Глиняных дел мастера в Царицыно. Гид по выставке «Керамика. Парадоксы»
Фламандские мастера. Экскурсия по музею Майера ван ден Берга в Антверпене
«Вещи» как идея. В Anna Nova Gallery открылась выставка из коллекций Сергея Лимонова и Дениса Химиляйне
Тула: экскурсия по первому региональному филиалу Исторического музея
«Илья Остроухов: художник, коллекционер, музейщик»: гид по выставке в Трубниковском переулке
«Чжан Хуань. В пепле истории»: гид по выставке в Эрмитаже
«Возвращение в Усадьбу»: гид по выставке в музее «Новый Иерусалим»
«Твое сознание не знает границ»: гид по выставке Юлии Вирко и Антона Гельфанда в Севкабеле
Место встречи науки и искусства: гид по выставке «Режимы доступа» в арт-резиденции ИТМО
«Сарра Лебедева. Избранное»: гид по выставке в Третьяковской галерее
Тело как улика: гид по выставке «Тату» в музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
Хоф ван Буслейден: гид по дворцу Бургундской эпохи в бельгийском городе Мехелен
«Калязин. Фрески затопленного монастыря»: гид по экспозиции в Музее архитектуры имени А.В. Щусева
«Дары» в Русском музее: гид по разделу советской живописи второй половины XX века
«Прототип»: Гид по проекту будущего Музея Сергея Курёхина
«Дары» в Русском музее: гид по разделу советской живописи первой половины XX века
Медицинская служба Красной Армии: гид по выставке в РОСФОТО
«Платье как история»: мода на картинах русских художников ХХ века с комментариями Музея Моды
«Дары» в Русском музее: кураторский гид по Корпусу Бенуа
Мода на русское: гид по выставке «Александр III. Император и коллекционер» в Русском музее
От Шишкина до Малевича: шедевры Краснодарского художественного музея
Экскурсия по дому-музею Питера Пауля Рубенса в Антверпене
От Дюрера до Матисса: гид по выставке
Александринский театр: экскурсия по Музею русской драмы
«Романтика и усердие. Современное искусство Южной Кореи»: гид по выставке в Эрмитаже
«Ван Эйк. Оптическая революция»: гид по выставке в Генте
«Студия 44. Анфилада»: гид по выставке в Главном штабе
«Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России»: гид по выставке
«100 фотографий» Анатолия Болдина в РОСФОТОИскусство Ирана в Музее Востока
«EXIT» Игоря Новикова в ММОМА
Пасхальные яйца Карла Фаберже: шедевры коллекции из Музея Фаберже