От Дюрера до Матисса: гид по выставке

10 июня 2020

ГМИИ им. А.С. Пушкина | Выставка открыта до 21 июня

Собрание Пушкинского музея наcчитывает около 27000 листов, охватывает пять веков истории искусства — с конца XV до середины XX века — и основные европейские национальные школы. Выставка, открытая в Пушкинском музее 24 марта, призвана вычленить и выявить ядро коллекции и сфокусировать на нем внимание зрителей, для нее отобраны лучшие образцы разных национальных школ — итальянской, французской, немецкой, голландской, фламандской и русской. В рубрику «Экскурсия для чтения» журнал об искусстве Точка ART выбрал 15 рисунков знаменитых живописцев, написанных в разные века.

Выставка выстроена хронологически, органично встроенная в конфигурацию залов и колоннад, она приглашает на прогулку по коллекции и одновременно по истории рисунка, где за каждым новым поворотом зрителя ожидают новые эстетические впечатления, новые зрительные образы. На ней можно увидеть редко экспонируемые работы таких мастеров как Дюрер, Рембрандт, Рубенс, Дега, Ренуар, ван Гог, Врубель, Кандинский, Пикассо, Леже, Матисс, Малевич, Шагал и многих других. Узнать о многообразии графических техник и разных манерах рисования, проследить смену стилей и художественных направлений в истории рисунка, где отразились общие тенденции развития европейского искусства на протяжении нескольких столетий.


Карл Брюллов «Греческое утро в Мираке»

Карл Брюллов «Греческое утро в Мираке» ©

В 1834 году граф Владимир Петрович Давыдов, внук младшего из братьев Орловых, решил предпринять путешествие на Восток с целью создания иллюстрированных путевых записок с последующей их публикацией. Ключевыми пунктами маршрута были выбраны Турция и Греция, в XIX веке тоже подпадавшие под определение «Восток». В экспедицию, кроме прочего имеющую и определенные научные цели, Давыдов пригласил архитектора Ефимова, археолога Крамера и художника Брюллова, которому надлежало фиксировать природу Греции, древние памятники и этнографические особенности страны, незадолго до этого обретшей независимость от Османской империи.

Путешествие Карла Брюллова по Греции продлилось два месяца. Первая остановка была сделала в бедной деревушке Мирака. Именно здесь и была сделала эта акварель. Рисунки подобного рода, полные непосредственности живого наблюдения, стали больше, чем обычные иллюстрации к путевому очерку Давыдова. Он не просто изображали этнографический характер, но и отражали личный интерес художника к повседневной жизни.

Эта акварель, став одним из немногих жанровых набросков, сделанных Брюлловым во время путешествия, была воспроизведена в изданном Давыдовом в 1840 году «Атласе к путевым запискам…», за которые граф был удостоен ученой степени в Эдинбургском университете.


Сольяни «Голова молодого святого»

Сольяни «Голова молодого святого»
© ГМИИ им. А.С. Пушкина

Джованни Сольяни — флорентийский художник периода Высокого Возрождения. В графическом наследнии этого мастера помимо набросков отдельно стоящих фигур есть и рисунки с этюдами голов. Представленный на выставке рисунок является этюдом к образу святого из алтарной композиции под названием «Чудо передачи пояса Богоматери апостолу Фоме». Предполагается, что это святой Миниас, первый флорентийский христианский мученик. По преданию, он был армянским принцем, который совершал паломничество в Рим, и неподалеку от Флоренции удалился в пещеру, став отшельником. По приказу императора Деция Траяна Миниас был подвергнут телесным наказаниям, а затем убит за христианскую веру.

В этом законченном этюде отчетливо прослеживается влияние флорентийского художника Фра Бартоломео, графику которого Сольяни внимательно изучал. Оно явно читается в мягкой проработке светотени в духе леонардовского сфумато, характерного для многих флорентийских художников конца XV — первой четверти XVI века.


Каспар Давид Фридрих «Вид на Путбус»

Каспар Давид Фридрих «Вид на Путбус» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

Крупнейший представитель романтизма в Германии, Каспар Давид Фридрих сыграл важнейшую роль в становлении романтического и реалистического пейзажа в европейском искусстве. В 1798 году закончив четырехлетнюю учебу в Академии Копенгагена, Фридрих обосновался в Дрездене. Север Германии близ Грейфсвальда, а также окрестности Дрездена, остров Рюген, были постоянными источниками вдохновения для Фридриха. В поездке по этим местам художник находил сюжеты для своих будущих картин.

Остров Рюген и город Путбус Фридрих любил больше всего, начиная с 1801 года он множество раз рисовал эти места, возвращаясь к ним снова и снова. На акварели Путбус запечатлен с холма на южном побережье острова. Низкий горизонт и широкий угол зрения этого панорамного пейзажа позволяют художнику добиться максимально протяженного и глубокого вида всей местности. Поразительно, как точно он сумел передать и выстроить планы, начиная с первого, на котором изображены более крупные объекты, до самого дальнего, с крошечными деревьями и силуэтами виднеющихся вдали гор.


Жан Оноре Фрагонар «Нападение»

Жан Оноре Фрагонар «Нападение» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

На выставке представлен один из самых загадочных и великолепных рисунков Фрагонара, созданный в конце 70-х годов XVIII века. Его пластический мотив выразителен, вне зависимости от сюжетной интриги. Тесные рамки изображения и ракурс — немного снизу вверх — усиливает впечатление монументальности фигур. Динамичная композиция, пронизанная бурным движением, напоминает зрителю о том, что художник вдохновлялся произведениями Рубенса.

Фрагонар следует своей обычной практике — использует подготовку черным мелом для того, чтобы обозначить основные элементы композиции, не стремясь жестко зафиксировать контуры. Этот беглый набросок является канвой для дальнейшей работы кистью, не стесняя свободы и спонтанности выражения.


Винсент ван Гог «Портрет молодой девушки (Мусме)»

Винсент ван Гог «Портрет молодой девушки (Мусме)»
© ГМИИ им. А.С. Пушкина

Этот превосходный графический портерт был написан ван Гогом в 1888 году, во время создания картины «Мусме». Мусме — так звали в то время юных помощниц японских женщин, это прозвище ван Гог дал и девочке, позировавшей ему для картины. Ван Гог вдохновлялся образами японских девушек-служанок, которых Лоти описывает в романе «Госпожа Хризантема». Влюбившись в роман, ван Гог решил создать свою, прованскую мусме.

На листе из коллекции Пушкинского музея, как ив живописном оригинале, мастер запечатлел сидящую в тростниковом кресле девочку с веткой олеандра в левой руке. Примечательно, что этот рисунок не был подготовительным этюдом к картине, он был создан уже после завершения работы над портретом и отправлен художнику Эмилю Бернару. Таким образом ван Гог представил возможность своему другу познакомиться с сюжетом и композицией полотна, над которым работал. В надписи, идущей по правому краю листа, художник кратко описал колорит картины, восполнив таким образом отсутствие цвета в рисунке.

Портрет выполнен тростниковым пером; ван Гог сам резал такие перья из растений, произраставших в Арле. Широкие линии, оставленные пером, точно передают манеру исполнения, сохраняя характер работы кисти.


Гюбер Робер «Руины с обелиском»

Гюбер Робер «Руины с обелиском» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

За 11 лет, проведенных в Италии, Робер накопил огромный творческий «репертуар», которым пользовался и по возвращении на родину. Пример тому, акварель с выставки, датированная 1776 годом. Действительность и вымысел — два предела, между которыми располагается все многообразие роберовского творчества, от наброска с натуры до самых смелых архитектурных фантазий в духе Пиранези и итальянских театральных художников. В этом ряду стоят и изображения, частью сделанные с натуры, частью воображаемые, в XVIII веке такие картины назывались «пейзажами смешанного рода».

Лист, представленный на выставке, имеет отношение к архитектурному каприччо, в котором угадываются и реальные памятники римской архитектуры, претерпевшие метаморфозы в воображении мастера. Робер допускает ряд вольностей: увеличивает количество колонн в портике (десять вместо шести) и с боковых сторон, а также заменяет ионический ордер дорическим.


Эжен Делакруа «Отдыхающий араб на фоне пейзажа»

Эжен Делакруа «Отдыхающий араб на фоне пейзажа» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

На протяжении всей жизни Делакруа проявлял интерес к пастели. Однако его работ в этой технике сравнительно немного — всего около сотни. Особую редкость представляют подписанные пастели.

Иногда Делакруа пользовался этим методом для подготовительных этюдов к картинам и росписям, в большинстве своем его пастели — это самостоятельные произведения, созданные вне зависимости от какой-то живописной композиции, для себя, для продажи или в качестве подарка друзьям. Лист, представленный на выставке, скорее всего принадлежит именно к этой категории.

Путешествие Делакруа в Марокко и Алжир в 1832 году дало ему огромный материал для творчества. Пастель, представленная на выставке, датируется предположительно концом 40-х годов XIX века, таким образом, в отличие от набросков, сделанных во время путешествия, это своеобразное воспоминание о Востоке.


Жан-Огюст-Доминик Энгр «Художница Анриет Лоримье»

Жан-Огюст-Доминик Энгр «Художница Анриет Лоримье»
© ГМИИ им. А.С. Пушкина

Энрг — признанный мастер карандашного портрета как совершенно самостоятельного, самодостаточного вида искусства. Он оставил несравненные шедевры, хотя в его собственных глазах они были менее значимы, нежели историческая живопись. В начале карьеры Энгр создавал графические портреты по заказу, зарабатывая этим на жизнь. Позднее он стал делать их в качестве подарка друзьям и знакомым, которые служили ему моделями. Примером такой практики служит портрет, представленный на выставке в Пушкинском музее: на нем изображена художница Анриет Лоримье, сидящая за мольбертом. Рисунок, как ясно из дарственной надписи, предназначен для Франсуа Пукевиля — врача, дипломата, археолога, историка и писателя. Пукевиль был спутником жизни художницы и другом Энгра.

Как и в большинстве других карандашных портретов Энгра, тщательная и «бережная» проработка лица модели контрастирует с беглым абрисом фигуры, одежды и аксессуаров. И как всегда, мастер проявляет необыкновенную проницательность и остроту в передаче характера и психологии модели.


Эдгар Дега «После ванны»

Эдгар Дега «После ванны» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

Женщина, принимающая ванну, выходящая из ванны, вытирающаяся после ванны — сюжеты, которые занимали художника на протяжении многих лет. «До сих пор нагота изображалась в таких позах, которые предполагали присутствие свидетелей. Мои же женщины <…> не думают ни о чем другом, а заняты своим делом. Вот одна из них: она моет ноги. Это как будто подсмотрено через замочную скважину». Так говорил Дега и это высказывание как нельзя кстати подходит для характеристики рисунка, представленного на выставке. Рисунок надставлен внизу: этот прием встречается и в других работах: художник прибегал к нему, чтобы лучше вписать фигуру в границы листа. Определенность и твердость контуров, скорее скульптурная, нежели живописная, характерна для рисунков Дега конца 1880-х — начала 1890-х годов.


Пьер-Огюст Ренуар «Девушка в шляпе»

Пьер-Огюст Ренуар «Девушка в шляпе»
© ГМИИ им. А.С. Пушкина

Рисунок датирован серединой 80-х годов XIX века, когда Ренуар работал над картиной «Большие купальщицы» из Филадельфийского художественного музея, центральным произведением так называемого «энгровского периода».

После возвращения Ренуара из Италии в 1882 году, в его творчестве намечается перелом: изобразительный язык импрессионизма во многом перестает удовлетворять художника, он переходит к более четкой манере, которую сам называл «жесткой». Эти изменения сказались равным образом в живописи и в рисунке.

На рисунке, выставленном в Пушкинском музее, видно, что Ренуар прибегает к технике «трех карандашей», столь любимой французскими рисовальщиками XVIII века: сочетание сангины, черного и белого мела на коричневой бумаге создают богатый колористический эффект. И все же это «живописное» начало подчиняется у Ренуара дисциплине точно выверенных контуров, обтекающих фигуру и отделяющих его от фона.

Изображение девушки на этом рисунке имеет определенный портретный характер и отличается особой проникновенностью. Такой женский физиономический тип явно импонировал Ренуару, и он нашел его в лице своей возлюбленной и будущей жены Алины Шариго, которая позировала художнику начиная с 1881 года.


Анри Матисс «Женский портрет (Л.Д.)»

Анри Матисс «Женский портрет (Л.Д.)»
© ГМИИ им. А.С. Пушкина

Моделью для этого портрета стала Лидия Делекторская, друг и секретарь Матисса, с которой художник познакомился в Ницце в 1932 году. Однако изображение имеет столь обобщенный характер, что портретом его можно назвать лишь условно. Как вспоминает Делекторская, «на протяжении трех или четырех сеансов по три часа, результатом которых становился законченный рисунок углем, Матисс работал над листом без передышки, стирая и заново рисуя. Первоначальный образ, непроясненный эскиз, превращался понемногу в конструкцию, упрощался и при этом приобретал характер, в нем проступали неповторимые особенности объекта».

В 1946 году «Женский портрет» был подарен художником Государственному музею нового западного искусства — в дополнение к восьми его рисункам, которые тогда же принесла в дар музею Лидия Делекторская. После ликвидации ГМНЗИ в 1948 году эти работы Матисса оказались в собрании Пушкинского музея.


Фернан Леже «Загородная прогулка (III)»

Фернан Леже «Загородная прогулка (III)» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

Образы «Загородной прогулки» владели воображением художника последние пять лет его жизни, с 1951 по 1955 год. Классическая тема единения людей на лоне природы приобретает в интерпретации Леже вполне современное звучание. Леже написал три большие картины — вариации на эту тему. Лист «Загородная прогулка (III)», представленная на выставке, датирована 1954 годом. Установить реальную последовательность создания всех графических работ, связанных с замыслом «Загородной прогулки», затруднительно, но общая направленность заключалась в том, что художник все больше тяготел к абстрагированию форм и цвета, в итоге он совершенно отказался от объемной моделировки, сведя изображение к плоским контурам, а цвет, который в варианте картины 1953 года еще был привязан к предметам, в итоге выведен за пределы контуров, и используется в виде самостоятельных пятен и широких плоскостей, которые как бы скользят поверх изображения.

Полное раскрепощение цвета, высвобождение его из-под власти предмета — этой стадии творческого процесса соответствует рисунок, представленный на выставке. Леже сосредоточился на цветовом решении произведения, основываясь на сочетании пяти цветов: красного, синего, зеленого, желтого и охристого.


Марк Шагал «Мужчина с козами»

Марк Шагал «Мужчина с козами» © ГМИИ им. А.С. Пушкина

Рисунок Шагала, датированный 1919 годом, перекликается с так называемой «витебской серией», над которой мастер работал с 1914 по 1915 год. Она включает в себя картины и этюды, написанные художником под впечатлением от жизни в Витебске.

В поэтическом мире Шагала между человеком и домашними животными угадывается скрытая, почти мистическая связь. Хотя фигуры людей и животных подсмотрены Шагалом в окружающей действительности, в его композициях они как будто не подвластны земному притяжению и законам перспективы.


Пабло Пикассо «Три женщины» (эскиз)

Пабло Пикассо «Три женщины» (эскиз) © ГМИИ им. А.С. Пушкина

Гуашь, представленная на выставке, — эскиз одноименной картины из собрания Эрмитажа, одного из ключевых произведений раннего кубизма. Лист из Пушкинского музея — одна из многих подготовительных работ (рисунки, гуаши, масло), связанных с эрмитажным полотном.

На пути от примитивизма произведений 1907 года к кубизму в прямом смысле этого слова Пикассо прошел через этап «ритмизированных» произведений, тяготеющих к абстракции. К этому этапу принадлежит гуашь из Пушкинского музея, датированная 190-7-1908 годом. Она замечательная именно своей ритмической организацией: поверхность в ней кажется пронизанной единым вихревым движением. В картине колористическое решение гуаши, построенное на контрасте синего и терракотово-красного тонов, было изменено в пользу более сдержанной цветовой гаммы.


Альбрехт Дюрер «Танцующие и музицирующие путти с античным трофеем»

Альбрехт Дюрер «Танцующие и музицирующие путти с античным трофеем»
© ГМИИ им. А.С. Пушкина

С Альбрехта Дюрера начался Северный Ренессанс. Несмотря на разностороннюю деятельность мастера как художника и теоретика, одной из наиболее сильных сторон его творчества была именно графика. Рисунок, представленный на выставке, принадлежит к ранним рисункам Дюрера, созданным во время путешествия в Италию в 1494-1495 годах. Оказавшись в Венеции, художник копировал фигуры из произведений своих итальянских современников — Джентиле Беллини, Андреа Мантеньи, Антонио Полайоло.

Понимание процесса рисования у Дюрера сближается с исследовательским процессом: художник пытается найти идеальные пропорции тела, принципы его строения и механизмы движения. Неслучаен и выбор персонажей: путти был одним из основных гедонистических художественных образов итальянского Возрождения. У Дюрера детские фигуры символизируют ангелов и души, готовые к воскрешению. Особую популярность образ путти обрел в североитальянской живописи эпохи Возрождения.


Выставка работает до 21 июня, в эти дни ее можно посмотреть онлайн, но после 16 июня, когда музей откроется, познакомиться с избранными рисунками из собрания Пушкинского музея уже можно будет не виртуально.


Также на сайте журнала вы можете совершить виртуальные экскурсии по выставкам:

Александринский театр: экскурсия по Музею русской драмы
«Романтика и усердие. Современное искусство Южной Кореи»: гид по выставке в Эрмитаже
«Студия 44. Анфилада»: гид по выставке в Главном штабе
«Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России»: гид по выставке
«100 фотографий» Анатолия Болдина в РОСФОТОИскусство Ирана в Музее Востока
«EXIT» Игоря Новикова в ММОМА
Пасхальные яйца Карла Фаберже: шедевры коллекции из Музея Фаберже

Новости

Популярное