С 14 февраля по 29 марта в Петербургском Манеже был показан масштабный выставочный проект «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России». Организованный совместно с Государственной Третьяковской галереей, он был посвящен одному из самых значимых направлений в современном искусстве — кинетизму. Экспозиция показала широкую панораму развития кинетизма в России в 60-х-70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности.

В рубрике «Экскурсия для чтения» журнал об искусстве Точка ART приглашает на экскурсию по выставке: об экспонатах, концепции и архитектуре которой рассказывают кураторы и координаторы Елизавета Павлычева, Ксения Лукьянова и Ярослав Манахов.

В основе кинетического искусства лежит идея трансформации как художественной формы, так и самого процесса восприятия. Подвижность, изменчивость, нестабильность — определяющие качества для динамических произведений, преобразование которых происходит с помощью механических сил или визуальных эффектов. Возникнув одновременно в различных регионах мира в послевоенную эпоху, кинетизм был во многом связан с идеей реабилитации технического прогресса и формированием информационного общества.

Наравне с научным авангардом, художники-кинеты изобретали визуальные системы передачи информации, исследовали особенности образного мышления, экспериментировали с новейшими технологиями и материалами. Такие вопросы, как полисенсорность восприятия, алгоритмизация творческого процесса, процессуальность, интерактивность, виртуальность определяли актуальную художественную проблематику того времени.

Художники не только искали новые формы воплощения своих творческих замыслов, но и реализовывали их в сфере дизайна, архитектуры, градостроительства, организации окружающей среды.

Таким образом, кинетизм являлся не просто направлением в истории искусства, но своеобразной лабораторией, в которой художники генерировали альтернативные версии реальности и того будущего, в котором мы сегодня оказались. То, что когда-то виделось художественным экспериментом, во многом является частью нашей повседневной жизни.

На выставке в Манеже были представлены работы известных художников-кинетов, создавших основной комплекс произведений в 60-х-70-х годах, и их предшественников — главных представителей русского авангарда начала XX века, а также современных авторов. Выставочный проект состоял из четырёх тематических разделов: «Лаборатория зрения», «Лаборатория искусствометрии», «Лаборатория среды» и «Лаборатория синестезии».

Экспозиция включила в себя все разнообразие форм и жанров кинетического искусства: мобили, самонапряженные конструкции, трансформирующиеся скульптуры, оптическую живопись, графику, коллаж, фотографию, видео-проекции, звуковые и световые инсталляции, интерактивные объекты.

---

Все экспонаты выставки, а их более 400, объединены дизайнерской мыслью в одно художественное высказывание. Кинетизм — относительное новое направление искусства, и до сих пор остается относительно малоизученным, поэтому мы обозначили для себя эту выставку, как выставку-исследование. Собственно говоря, и сам кинетизм склонен к эксперименту и активно взаимодействует с разнообразными научными знаниями и науками — философией, механикой, физикой, оптикой, математикой, геометрией, антропологией.

Кинетическое искусство напрямую связно с новейшим временем в истории. Это именно то время, когда научно-технический прогресс развивался огромными скачками. Произошел колоссальный шаг в развитии, параллельно с этим образовалось новое информационное поле, информационное общество. Поэтому основной идеей кинетизма является трансформация формы и способов восприятия. Основные понятия, связанные с кинетизмом, это изменчивость, динамичность и непостоянство.

В аванзале экспозиции находится объект Анатолия Волгина «Начало», созданный в 1965 году для членов группы «Время движения». Для этой выставки он был увеличен до пятиметрового размера. Таким образом это произведение соединило в себе все кинетические основы: трансформацию геометрических форм, движение в пространстве, соединение со светом и звуком, то есть предоставляющая возможность всеобъемлющего полного восприятия, объект, позволяющий зрителю создавать собственные смыслы и погружаться в мир кинетического искусства. Именно поэтому этот объект является самым лучшим началом, для того, чтобы настроиться на познание и следовать дальше в пространство выставки.

Ядром выставки являются работы художников-кинетов 60-х-70-х годов, которые вступают в диалог с авангардом начала ХХ века и с современным искусством. Предваряет ее манифест русских кинетов, созданный в 1966 году художниками, первыми входившими в движение кинетов: Нусберг, Инфантэ, Кузнецов, Бутурлин, Копейчук, Заневская, Глинчиков, Орлова, Муравьева, Битт, Дубовская, Степанов.

Именно манифест стал той отправной точкой, когда можно говорить об оформлении кинетизма, как отдельного направления в искусстве. Одновременно манифест показывает то, как художники понимали свою миссию, свое предназначение, история 60-70-х годов.

---

«Лаборатория искусствометрии»

Разрабатывая архитектору выставки, сложной задачей было обеспечить и показать тонкую связь между проектами кинетического искусства разных эпох. Насыщенность экспозиции обусловлена желанием авторов проекта создать у посетителей максимально полную картину развития кинетизма в России. Среди работ художников-кинетов много звуковых и светозвуковых инсталляций, которые важно было показать.

Художники-кинеты 60-х годов образуют целую лабораторию, в которой моделируют как различные формы реальности, так и фантазируют, конструируя будущее. Именно то будущее, в котором мы сейчас с вами находимся.

На примере этих работ можно увидеть, как художники по-разному подходили к созданию своих произведений искусства. Так, например, кроме общеизвестного подхода, связанного с ситуативным вдохновением, возникло еще одно направление, связанное с математическим инженерным расчетом, благодаря которому появляется некий объект, становящийся искусством.

Экспозиция устроена таким образом, что вещи, связанные с эпохой авангарда, соединяются с современными направлениями. Первооснова, источник вдохновения для художников-кинетов — авангард, и на экспозиции особое место занимают картины и предметы, созданные Александром Родченко. Родченко, как и многие художники того времени, искал некое простейшее, пытался расщепить основы на мельчайшие единицы, для того, чтобы потом заново сконструировать, пересоздать совершенно новую эстетику. И здесь мы видим результат этих поисков. В процессе эволюции Родченко отходит от живописи к таким вот скульптурам, движущимся объектам, так называемым мобилям Родченко. Само название «мобиль» пришло не из советского периода, а попало к нам из Европы. Большинство кинетических работ называется мобилями благодаря Марселю Дюшану, который ввел в обращение этот термин.

Работа современного художника Платона Инфанте, в которой он соединяет реальные объекты и виртуальные. Основной посыл, который несут в себе произведения Платона — о взаимодействии миров, реального и вымышленного, насколько они близки между собой. И именно в этих произведениях можно увидеть это взаимодействие.

Название лаборатории «Искусствометрия» становится понятнее, когда мы слышим его созвучность с геометрией. И действительно, это царство правильных форм и рационального решения художественного процесса. Объекты, которые находятся в этом пространстве, они геометричны, четко меняют свою форму и в конечном счете превращаются в архитектурные объекты.

В этом разделе также соединены абстрактные работы ХХ века, кинетическое искусство 60-70-х годов и современное искусство.

Один из главных экспонатов этой части выставки — работа Романа Сакина «Лес». Рассказывает художник: «Работа с формой для меня всегда была работой с пространством. Бывало, я передвигал в мастерской обрезки досок и палок, наблюдая, как меняется пространство, и впадая в какой-то транс. Подвешенная в центре комнаты рейка, лежащий на полу шар или выстроенные в ряд по размеру круглые палочки были для меня как бы стихами. И очень важной частью в этом занятии была возможность передвигать и менять. И так был придуман целый вид объектов, который я назвал «управляемая скульптура» или «беззвучный музыкальный инструмент», еще он мог бы называться «управляемое пространство».

Пять принципов управляемой скульптуры:

1. Она имеет подвижные части.
2. Эти подвижные части могут принимать различные неподвижные положения в пространстве, меняя форму всего объекта.
3. Она может иметь пульт управления, при помощи которого двигаются подвижные части.
4. Она может иметь партитуру, или записанную последовательность положений.
5. Последовательность положений может являться отдельным художественным произведением, исполненным на управляемой скульптуре.

Объекты этого вида бывают монументальные и камерные. Монументальные объекты, установленные на улице, могут иметь дополнительную, утилитарную функцию — они могут передавать информацию. Как дерево, меняясь, сообщает о времени года, так и управляемая скульптура, меняясь, может сообщать о разных событиях. Камерные объекты лучше всего подходят для личного использования в домашних условиях. Я представляю себе человека, который приходит домой после трудного дня, открывает крышку, под которой — его управляемая скульптура, и в одиночестве наслаждается изменяющимся пространством.

Управляемая скульптура «Лес», в соответствии с описанными выше принципами, имеет пульт управления, состоящий из катушек с леской, и 25 подвижных частей (это красные рейки). Красный цвет использован как один из самых заметных и не имеет смысловой нагрузки. Прилагается партитура с записанным одноименным произведением «Лес».

---

Еще один замечательный объект раздела «Искусствометрия» — vtol Дмитрия Морозова. Ресурсы Интернета открывают для нас почти богоподобную перспективу — как автоответчик, способный мгновенно предоставить нам глубокие, тонкие и сложные фактические знания по любой теме, — параллельно формируя новую перспективу посредством анализа больших данных. Превратив книги из физических памятников в потоки и осуществив мечту о глобальной библиотеке, современные технологии приближаются к созданию цифрового оракула, искусственного интеллекта, природа которого ляжет в основу сценария будущего. ::vtol:: zoltan — это прототип метаинтеллекта, делающий прогнозы по требованию, бесплатно и без остановки. Созданная Дмитрием Морозовым машина откровений является воплощением избыточности информации, теорий и критики, избыточности как условия качества. ::vtol:: zoltan изображается как неизбежный потомок Memex Ванневара Буша, Великого Всепланетного Информатора братьев Стругацких, мыслящих машин из вселенной Дюны, очаровательного, но опасного HAL 9000 и других систем, вооруженных знаниями, из мира научной фантастики.

---

«Лаборатория среды»

На втором этаже выставки всех встречает Светокинетическая установка «Атом» Вячеслава Колейчука. Вячеслав Колейчук — центральная фигура в кинетическом искусстве 60-х годов и «Атом» — известнейшнее его произведение, оно находится в разделе выставке, который называется «Лаборатория среды». В этом разделе собраны всевозможные утопические модели художников-кинетов, размышляющих о будущем, начиная от эскизов театральных костюмов Малевича и Лисицкого, и заканчивая архитектурными сооружениями и всевозможными моделями.

13-метровый «Атом» был создан по заказу Института атомной энергии Академии наук СССР им. И.В. Курчатова в 1967 году — к 50-летию революции. Его эффектная и кажущаяся простой конструкция на самом деле была очень сложна с технической точки зрения. В «Атоме» воплощены принципы формообразования, ставшие впоследствии ключевыми для творчества Колейчука. Центральный элемент установки — большая сфера из металлических трубок, движущаяся благодаря ветру; ее форма обеспечивалась за счет самонапряжения составных частей. А отражавшиеся в «Атоме» солнечные лучи днем и световые проекции ночью образовывали мириады причудливых узоров, которые полностью преобразовывали пространство возле установки.

Еще два объекта, созданных Вячеславом Колейчуком — «Спираль» и «Двойная спираль»

Основой для создания нового направления в художественном творчестве послужила послужила изобретенная Колейчуком графическая технология, получившая несколько определений — штриховая стереография, светостереография, живая графика. Ближайшим аналогом для нее может служить голография, в которой для восстановления объемного изображения используются отражающие или пропускающие свет голографические фотопленки и фотопластинки, с записанными на них (сфотографированными) с помощью лазера изображениями.

Обнаружение нового графического способа отображения известной и моделирования новой виртуальной реальности произошло с одной стороны случайно, с другой стороны — явилось закономерным результатом давнего интереса Колейчука к проблемам психологии зрительного восприятия. Проблемам продуктивных возможностей зрительной системы человека, к истории развития визуального языка в художественном творчестве, к проблемам симметрии и геометрии.

---

В разделе «Лабортория среды» находятся экскизы костюмов Малевича и Лисицкого к опере «Победа над Солнцем», рассказывает о внедрении интерактивного пространства в социальную жизнь общества. Художники разных поколений мечтали воплотить свои идеи в форме городских проектов. Театр выступил медиумом, связывающим футуристические идеи и реальную жизнь. Авторы «Победы над Солнцем» воспевали идею строительства нового будущего. Эскизы Каземира Малевича к костюмам наполнены супрематическими построениями. Рядом с Малевичем находятся эскизы Эль Лисицкого. На них изображены огромные марионетки, изящные механизмы, которые, по замыслу автора, должны были приводиться в движение электромеханической установкой. Утопический замысел спектакля Лисицкого появился в период зарождения концепции конструктивизма. Эль Лисицкий думал об «электромеханическом театре», никак не связанном с человеческими формами и пластикой, в нём должны были «играть» освобожденные от антропоморфности механические фигуры, но проект этот так и остался нереализованным. Театр — неотделимая часть той среды, где рождались первые художественные эксперименты, вырывалась на свободу экспрессия авангардного искусства, искусства вечного движения и изменений.

---

Если говорить о ядре экспозиции, то самым важным является тот момент, что этот период в советском искусстве был ознаменован сближением научных достижений и НТП с полем художественным, ученые, физики, химики, представители таких наук как психология, вместе с художниками стали создавать новые миры, и в качестве этого синтеза возникает такое направление как советские кинетизм, который отличается от мирового кинетизма тем, что делает больший акцент на тему научных достижений, на понимание науки в таком позитивном ключе.

Спектакль «Почта» (1981) режиссера Михаила Хусида и художника Юрия Соболева был первой совместной постановкой, где соавторами разрабатывалась концепция нового, экспериментального «театра синтеза». «Синтетическая» среда таких постановок предполагала «сплавление» в единое целое самых разных видов и жанров театрального, музыкального и визуального искусства. Спектакли Хусида — Соболева представляли собой сложное полисемантическое действие, включавшее в себя театр кукол, слайд-фильмы, кинопроекции, музыку, современный танец, авторский актерский текст, перформансы, инсталляции, видео, кинетическое искусство. Михаил Хусид и Юрий Соболев проработали вместе более 15 лет, сначала в театрах Урала (1980–1990), а с 1990 года в Царском Селе (город Пушкин), став создателями Международной мастерской театра синтеза и анимации «Интерстудио».

Спектакль «Почта» был поставлен Хусидом и Соболевым по пьесе Рабиндраната Тагора. Ритм всему действию задавал полиэкранный слайд-фильм, который проецировался на три прозрачных экрана, занимавших все пространство сцены. Актеры не только на равных сосуществовали с куклой на сцене — спектакль, по сути, оказывался перевертышем: тростевые куклы разыгрывали человеческую драму (историю умирающего мальчика Амоля), а актеры превращались в индуистских богов. Проекции увеличивали фигуры актеров, придавая им огромный масштаб (белые костюмы работали как дополнительные экраны), и совершенно дезориентировали зрителя. Аудиовизуальная среда полиэкрана, построенного на образах индийского искусства, объединяла все уровни спектакля и погружала зрителей в сконструированный авторами космос.

В 2017-м на основе оригинальных слайдов 1981 года и видеодокументации 1986 года была сделана реконструкция центральной части полиэкрана: «Мандалы». Режиссер реконструкции — Георгий Куликов.

---

И в заключении Полина Кравченко, ассистент координатора выставки, отвечает на, пожалуй, самый часто задаваемый вопрос —много ли экспонатов пострадало, ведь почти все они были интерактивными: «На выставке было много объектов, с которыми посетители могли взаимодействовать. Некоторые из этих предметов по неосторожности были повреждены или временно выходили из строя. Мы были к этому готовы и в короткое время возвращали их к работе. По завершении выставки „Лаборатория Будущего“ все экспонаты целы».

---

100 фотографий» Анатолия Болдина в РОСФОТО

Также на сайте журнала вы можете совершить виртуальные экскурсии по выставкам:

Искусство Ирана в Музее Востока: виртуальная экскурсия по выставке

Теги: Кинетические искусство  Лаборатория будущего  ЦВЗ Манеж