От Шишкина до Малевича: шедевры Краснодарского художественного музея
В рубрике «Экскурсия для чтения» журнал об искусстве Точка ART приглашает читателей познакомиться шедеврами русского изобразительного искусства XVI — начала ХХ веков, находящимися в основной экспозиции Краснодарского краевого художественного музея имени Ф. А. Коваленко, в собрании которого находится самая большая среди всех провинциальных музеев России коллекция работ русских художников-авангардистов.
Краснодарский краевой художественный музей впервые распахнул свои двери для посетителей 11 апреля 1904 года. Тогда он имел другое название — Екатеринодарская городская картинная галерея имени Федора Акимовича Коваленко с архитектурным и археологическим отделами. Таким образом основатель галереи Федор Акимович Коваленко смог реализовать свою любовь к искусству. 7 января 1903 года коллекционер направил в Екатеринодарскую городскую думу письмо: «Всю мою коллекцию я приношу в дар городу Екатеринодару. Цель моя, сделать это посвящение не для личных моих выгод, а для общего блага». Депутаты приняли решение — дар принять.
Для размещения нового музея правительство города выделило первый этаж здания Городской Управы. Здесь галерея просуществовала два года, а затем было принято решение — разместить галерею в новом особняке, принадлежащим инженеру путей сообщения Батырбеку Шарданову.
Образ «Кубанского Третьякова» донесла до нас кисть русского живописца Николая Васильевича Харитонова, выпускника Петербургской Академии Художеств, ученика Ильи Ефимовича Репина и лучшего на Юге России портретиста. В один из таких приездов художника в Екатеринодар был написан «Портрет Федора Акимовича Коваленко». Нежная красочная гамма придает высокое эмоциональное звучание образу. В элегантности внешнего облика основателя галереи, его внимательном взгляде раскрываются и тонкость духовного склада, и деловая энергия коллекционера. Коваленко позировал художнику за четыре месяца до своей кончины. 9 февраля 1919 года он умер от тифа.
Постоянная экспозиция музея выстроена по хронологическому принципу. Первый зал посвящен древнерусской живописи.
Зал древнерусского искусства
Древнерусская живопись представлена в коллекции музея небольшим количеством безымянных икон, поступивших из Государственного музейного фонда и Государственного исторического музея в 1927-1931 годах. В настоящие время в музее хранятся около 70 произведений древнерусской живописи. Самые древние из них датируются XVI веком.
[Not a valid template]Особый интерес представляют так называемые «северные письма» — иконы русского Севера, написанные в Вологде, Каргополе, Вятке, Великом Устюге). Их создавали не только иконописцы-монахи, но и простые городские и сельские жители, для которых это занятие не было основным. Сочетание крупных красочных пятен, наносимых широкими мазками, простота и лаконизм композиции, строгость образа, в орнаменте — связь с предметами прикладного искусства — характерные черты этой школы древнерусского искусства.
Характерные черты московской иконописной школы, к которой принадлежат отдельные иконы XVII века праздничного ряда из коллекции музея — «Преображение», «Вход Господень в Иерусалим», «Жены-мироносицы»; — изящное письмо, гармоничный колорит с нежными светящимися красками.
Икона «Преображение»; повествует о том, как Иисус Христос вместе со своими учениками — Петром, Иаковом и Иоанном взошел на гору Фавор помолиться, где неожиданно преобразился: «вид лица Его изменился, и одежда сделалась белою, блистающею». Явились пророки Илья и Моисей и беседовали со Спасителем. С небес слышался глас: «Сей есть сын Мой возлюбленный; Его слушайте». На вершине горы — в ярком сиянии — Иисус Христос, по обеим сторонам пророки Илия и Моисей. Внизу — три апостола, испуганные и пораженные увиденным чудом. От фигуры Иисуса к апостолам идут три ярких луча.
На протяжении многих столетий на Руси писали в технике яичной темперы. Цвет и тон в произведениях, написанных темперой, обладают несравненно большей стойкостью к внешним воздействиям и сохраняют первоначальную свежесть значительно дольше по сравнению с красками масляной живописи. Техника масляной живописи получила широкое распространение после того, как в России в 1757 году появилась Императорская Академия художеств, развивавшая традиции западного светского искусства. Русскому искусству XVIII века всего за несколько десятилетий суждено было превратиться из религиозного в светское. Реформы Петра I и просветительская деятельность Екатерины II позволили России стремительно и блестяще шагнуть из Средневековья в Новое время. В результате, целая плеяда великолепных мастеров кисти открыла для своих современников новые темы и жанры.
Зал XVIII века
В XVIII веке Императорская Академия художеств становится центром воспитания русских архитекторов, живописцев, графиков, скульпторов и распространения новых идей — идей классицизма. Согласно академической доктрине высоким жанром считается историческая живопись, однако особое значение в екатерининское время приобретает портрет.
Галерея портретов второй половины XVIII века в собрании музея дает представление о разных слоях русского общества. Это парадные портреты Екатерины II, государственных деятелей и придворных, военных, представителей духовной и интеллектуальной элиты, созданные известными русскими живописцами и иностранцами, работавшими в России. Владимир Лукич Боровиковский принадлежит к плеяде крупнейших русских художников второй половины XVIII века, чье творчество во многом предвосхищает открытия портретного жанра в начале века XIX. С равным успехом выполнял художник заказные парадные портреты, которые отвечали всем требованиям официальной репрезентативности, писал портреты камерные, малоформатные и миниатюрные, в которых стремился передать внутренний мир человека.
Особенности парадного портрета эпохи отчетливо видны в его коронационном портрете Екатерины II. Императрица изображена в парадной одежде, с короной на голове и атрибутами царской власти, призванных передать величие царствующей особы.
[Not a valid template]Камерные портреты, небольшие по формату, отличались от парадных тем, что художник делал акцент не на общественном положении, а на внутреннем мире модели, ее настроении, чувствах. Дополнительным средством для выявления характера портретируемой особы зачастую служил окутанный таинственной дымкой нейтральный фон, как на «Портрете графини Веры Николаевны Завадовской». Портрет эмоционально сдержан. Лицо графини строго и спокойно, мягок и задумчив взгляд мечтательных глаз, легкая улыбка оживляет губы. Гармоничное сочетание белого цвета с приглушенным красным придает изображению спокойствие и ясность. Мягкая моделировка лица, плавные линии, нежные цветовые переходы выражают очарование женственности.
Иногда можно было встретить семейный или парный портрет. К таким относятся изображения супругов Федора и Екатерины Вадковских кисти Ермолая Дементьевича Камеженкова — талантливого крепостного художника тверского архиерейского дома, получившего вольную в 1786 году по приказу самой Екатерины II. Вадковский Федор Федорович — действительный тайный советник, игравший при дворе Екатерины II видную роль. Вадковская Екатерина Ивановна, урожденная графиня Чернышева. На платье Екатерины Вадковской приколот фрейлинский шифр. Так назывался золотой с бриллиантами вензель императрицы на банте. Фрейлины носили его на левой стороне груди. Те, кто имел на это право, являлись в специальных «придворных» платьях, с большим декольте и шлейфом. Пожалование во фрейлины было почетно и выгодно. Оно вводило молодую девушку в придворный круг, обеспечивало выгодную партию при сватовстве, а малообеспеченной девушке гарантировало приданное от Двора.
Небольшие по размеру полупарадные портреты, предполагали поясной срез, нейтральный фон и ярко выраженные аксессуары, указывающие на чины и заслуги изображенной персоны. Наиболее яркий пример этого вида портрета в экспозиции — «Портрет барона Алексея Николаевича Строганова» кисти великолепного колориста, одного из первых русских преподавателей Императорской Академии художеств, Дмитрия Григорьевича Левицкого. Барон Александр Николаевич Строганов военную карьеру начал в конной гвардии и вышел в отставку с чином генерал-аншефа. Был женат на Елизавете Александровне Загряжской, имел сына Григория, впоследствии графа, и двух дочерей. Барон изображен с польскими орденами — Белого Орла и Станислава.
Рядом с русскими художниками в России, и, прежде всего в Петербурге, работали иностранные мастера. Одним из самых любимых художников при русском дворе был Иоганн-Баттист Лампи. В 90-е годы XVIII века по приглашению Григория Потемкина он прибыл из Австрии и имел огромный успех при дворе, став поистине самым модным портретистом, успевшим за пять лет творческой карьеры «переписать» всю русскую знать. Лимпи умудрялся ловко сочетать на своих полотнах «красивую лесть» и правдивость обликов высокомерных и горделивых особ — своих высокопоставленных моделей. Среди них была сама императрица Мария Федоровна, до перехода в православие — София Мария Доротея Августа Луиза, вторая супруга российского императора Павла I. Мать императоров Александра I и Николая I. Всю жизнь, покровительствуя людям искусства, Мария Федоровна сама была творческой личностью. На ум, образованность, просвещенность императрицы намекает силуэт статуи античной богини Афины Паллады. Императрица представлена молодой и привлекательной красавицей, а многочисленные детали (бюст Павла I, портретные профили ее детей, палитра, книжные фолианты, музыкальные инструменты) иносказательно раскрывают ее моральные качества — любовь к мужу, семье, искусству. Все свои сбережения она отдала на женское образование. До 1917 года существовало Ведомство императрицы Марии, в Екатеринодаре — Мариинский институт благородных девиц.
Восторженно было встречено при русском дворе искусство французской художницы Мари-Элизабет-Луизы Виже-Лебрен, придворной портретистки Марии Антуанетты. Изгнанная из Франции революцией, Виже-Лебрен искала пристанища при многих европейских дворах и обрела его в России. Как и Лампи, Виже-Лебрен имела огромный успех при дворе. По свидетельствам современников, прагматичная и расчетливая, обладающая хорошей фантазией, она чутко уловила салонные вкусы придворной среды и умело им следовала. К этому добавлялась ее живая активная деятельность, устройство костюмированных вечеров, вошедших в моду «живых картин».
Излюбленная тема творчества художницы — женские образы и детские портреты. В нашей экспозиции представлен парадный портрет Елизаветы Алексеевны, великой княгини, императрицы, супруги будущего императора Александра I. Елизавета Алексеевна была воплощением идеала романтической молодежи. На портрете она изображена в полный рост с лентой и звездой ордена Святой Екатерины большого креста на фоне темного занавеса и мраморного бюста Екатерины II. На кресле лежит великокняжеская мантия. Автор «Портрета Великой княгини Анны Павловны» — живописец и гравер английского романтизма Джорж Доу, славился как портретист. В 1818 году он получил от русского императора Александра I заказ на выполнение портретов героев Отечественной войны 1812 года. За 10 лет вместе с русскими помощниками Доу исполнил 329 портретов. В 1828 г. вернулся в Англию. На картине Великая княгиня Анна Павловна — дочь Павла I и императрицы Марии Федоровны, кронпринцесса Нидерландская. В течение 20 лет, до самой смерти, была любимой королевой голландцев. Портрет написан в одно из посещений Анны Павловны России, после смерти ее матери Марии Федоровны. Рядом с ней бюст горячо любимой родительницы. Расположенные рядом цветы — нарцисс, плющ, роза являются символами смерти, верности и любви.
[Not a valid template]В экспозиции зала также представлен «Итальянский пейзаж», принадлежащий кисти выпускника и пенсионера Императорской Академии художеств Федора Михайловича Матвеева. Отправившись в 1779 году в Италию, оставшуюся жизнь этот художник провел вдали от родины, путешествуя по стране, природу которой считал воплощением идеальной красоты. Все свои работы художник создавал на основе натурных впечатлений, которые подчинял традиционной классической схеме: уравновешенная и симметричная композиция, боковые «кулисы», прием создания в картине перспективы путем четкого деления пространства на три плана: первый в коричневых тонах, второй — в зеленых, и третий — в голубых.
Подобные пейзажи получили название «театральных», так как более всего их композиция напоминала сцену, что весьма отвечало повсеместному увлечению XVIII века театром, или «сочиненных», так как писались не с натуры, а в мастерской, и главной задачей живописца было приведение природного мотива к совершенной форме. «Итальянский пейзаж» Федора Матвеева покоряет зрителя прежде всего своей торжественной величавостью. Природа застыла в невозмутимом покое. Широко расстилается равнина, уходят вдаль пологие холмы, величаво возносятся ввысь итальянские пинии с роскошной кроной. Стаффажные фигурки людей только подчеркивают мощь и великолепие природы.
Зал первой половины XIX века
С Италией связывали свою жизнь и многие другие русские художники. «Итальянский пейзаж» кисти романтика Сильвестра Феодосиевича Щедрина выполнен в раскованной и свободной манере, — и это новая ступенька в развитии русской пейзажной школы, с которой начался настоящий ее расцвет. По окончании срока пенсионерства Щедрин решил остаться в Италии на положении художника, добывающего средства к жизни собственным трудом. В начале лета 1825 года живописец поселяется в Неаполе, пребывание в котором считал счастливейшим периодом в своей жизни. «Итальянский пейзаж» повторяет одну и ту же композиционную схему: высокая скала в правой части картины с архитектурными строениями (церковь с кампанилой и так называемый дом Торквато Тассо), в центре — морская гавань (или небольшой залив) с рыбацкими лодками и фигурами рыбаков на берегу, вдали на фоне неба — горная гряда.
Итальянскую тему продолжает одна из жемчужин коллекции Краснодарского художественного музея имени Федора Акимовича Коваленко — полотно «Итальянка», созданное Иваном Кузьмичом Макаровым. Эта картина — яркий пример салонного романтизированного портрета, на котором в национальном итальянском костюме изображена, предположительно, Великая княгиня Мария Николаевна, дочь русского императора Николая I.
Макаров Иван Кузьмич во второй половине XIX века считался одним из лучших портретистов в Петербурге. Работы Макарова становились фамильной реликвией. Популярность Макарова в светских кругах, обилие заказов объяснялось, прежде всего, совершенством его технического мастерства, в основе которого лежала серьезная академическая выучка. «Итальянку» Макаров написал в 1855 году в Риме, где он совершенствовал свое мастерство на средства Общества поощрения художеств. Он находился в свите Великой княгини Марии Николаевны, которая в то время являлась президентом Академии художеств. На полотне художник изобразил прекрасную молодую женщину в национальном итальянском костюме, набирающую в кувшин воду из родника. Радует глаз гармоничный колорит, безупречный по исполнению рисунок фигуры, написанной на темном фоне едва заметного романтического грота, увитого виноградной лозой. Во всем блеске предстает виртуозное мастерство передачи фактур различных материалов в почти эмалевой манере письма. Одета картина в позолоченную резную деревянную раму, которая сама по себе является произведением прикладного искусства. Она была вырезана по специальному заказу вятскими мастерами.
Экспозицию музея украшают замечательные пейзажи самого известного в отечественном изобразительном искусстве мариниста Ивана Константиновича Айвазовского — вдохновенного певца водной стихии. Айвазовский, сын армянского купца из города Феодосии, закончил Императорскую Академию художеств с Большой золотой медалью. Ещё студентом он выбрал основной темой своего творчества морской пейзаж. К двадцати пяти годам Айвазовский приобрёл европейскую славу, в двадцать семь лет стал живописцем Главного Морского штаба, в двадцать девять — профессором. Художник написал около шести тысяч картин, объездил Европу, Америку, Восток, стал почетным членом академий художеств разных стран, обладателем многих наград.
В тридцать один год Айвазовский вернулся в Феодосию, в дом возле моря. Здесь он создал лучшие свои произведения. Художник писал по памяти и мог создать картину за два часа. Море мастер изображал как живую стихию, имеющую свой норов, свои правила и привычки. Айвазовский любил писать широкие панорамы на огромных холстах, сияющие краски, необыкновенные световые эффекты. Всю жизнь он оставался верен романтическому идеалу прекрасной одухотворённой природы.
Полотно «Морской бой» было написано в 1855 году и представляло собой эпизод из Крымской войны 1853-1856 годов. Изображен первый в истории бой паровых судов — 11-пушечного колесного пароходофрегата «Владимир» с 10-пушечным турецко-египетским пароходом «Перваз-Бахри». Командир русского пароходофрегата капитан-лейтенант Григорий Иванович Бутаков, используя высокую маневренность «Владимира», ведя меткий артиллерийский огонь по противнику, после трехчасового боя вынудил противника спустить флаг. В 1856 году Иван Константинович Айвазовский подарил картину капитану русского корабля «Владимир». Вариант этой картины (большего размера) находится в Военно-Морском Музее в Санкт-Петербурге.
Следующий художник, представленный на экспозиции — Алексей Гаврилович Венецианов, считающийся одним из основоположников русской жанровой живописи, «отцом бытового реализма». Он утвердил в русском искусстве бытовой жанр как самостоятельный и полноправный вид живописи. В Сафонково, своей небольшой усадьбе под Москвой, Венецианов в 1820 году организовал художественную школу для учащихся «из народа». Через школу Венецианова прошло более 70 человек, часть из которых получила звания классных и свободных художников, а некоторые даже стали академиками.
Портрет «Девушка с подойником» входит в серию портретов крестьян, созданных Венециановым в 1820-е годы. Отбросив условные академические правила, художник стремился точно передать натуру. В далеких от идеального совершенства простых лицах он находил глубокую внутреннюю поэтичность, в образах крестьян раскрывал цельные характеры. Таким образом, Венецианов стоял у истоков реализма, с которым вы сможете познакомиться в следующем зале.
Зал второй половины XIX века
В 70-х годах XIX века возникло новое, не зависящее от Императорской Академии художеств объединение — Товарищество передвижных художественных выставок. Эта организация устраивала ежегодные передвижные выставки, показывала их в разных городах России и распределяла доходы между членами Товарищества. В 1893 году «передвижники» экспонировали свои работы в Екатеринодаре. Они создали реалистическое искусство, которое должно было говорить правду о жизни, и прежде всего о русской действительности. Быть верным правде для художника-реалиста означало не только точно воспроизводить узнаваемые подробности быта, обстановки, одежды, но и передавать типичность ситуаций и характеров. Картины передвижников заставляли задуматься над общественными вопросами, сострадать тем, кто несчастен и обездолен.
[Not a valid template]Обратившись к изображению народной жизни, передвижники своим творчеством изменили традиционное соотношение жанров, выдвинув на первое место бытовой, который на тот момент был способен охватить комплекс проблем, раздиравших пореформенную Россию. Украинский художник-передвижник, автор картин на темы жизни и быта украинского народа Николай Корнильевич Пимоненко в картине «Сваты» показывает не только бедность, но и красоту народного быта, национального костюма. На полотне — хата бедной вдовы. Художник с этнографической точностью изображает интерьер жилища, посуду и утварь, костюмы персонажей. Немолодая крестьянка надеется, что «стерпится — слюбится» и распивает чарку со сватами богатого жениха. А дочь — невеста — сидит в сторонке, явно не испытывая никакой радости от этого сговора.
Владимир Егорович Маковский — крупнейший мастер бытового жанра. С глубокой искренностью он писал картины о горестях и радостях «маленького человека». Это и настоящие человеческие драмы, и обычные сценки из быта. Каждая рассказанная им история отличается жизненной правдой, типичностью. Картина «Слушают граммофон» привлекает добродушным юмором, живыми характерами персонажей, глубиной психологической трактовки сюжета.
Имя Ивана Ивановича Шишкина известно не только знатокам искусства, но и самым широким слоям зрителей, покоренных произведениями великого мастера русского пейзажа. Искусство Шишкина — явление исключительное. Образ русской природы, созданный им, стал воплощением народного идеала силы и красоты родной земли. Влюбленный в природу художник много и подолгу работал в лесу, создавая десятки этюдов с натуры, на основе которых впоследствии рождались картины, вызывающие невероятное чувство реальности, эффект личного присутствия.
Пейзаж «Солнце в лесу», как и все картины Шишкина, взят целиком из природы. Используя энергичный изобразительный язык, мастер создает особую музыку лесной чащи, пронизанной солнечным светом, отражающимся на золотистых стволах сосен, на убегающей вдаль лесной дороге. Спокойный ритм высоких стройных сосен, глубина лесного массива, подчеркнутая проходящей сквозь него дорогой, теплые тона живописи рождают радостный и величавый образ русской природы. Мягкий свет играет кружевной тенью на траве, земле, манит вдаль, за лесную чащу, в безбрежный простор.
Украшением музейного собрания является «Портрет Олимпиады Величкиной» кисти замечательного русского художника Василия Ивановича Сурикова. В творческом наследии Сурикова портреты являются, пожалуй, исключением, нежели, правилом. Олимпиада Михайловна Величкина родилась в 1879 году и носила титул баронессы Клодт фон Юргенсбург. Суриков писал ее портрет в 1914 году, когда ей было уже 35 лет. Семейные предания уверяют, что она долго не выходила замуж, чтобы не менять фамилию и не потерять титул баронессы. Но, ко времени написания портрета, Величкина уже была замужем и носила двойную фамилию. В то время она ожидала ребенка, и Суриков, зная это, насмешливо говаривал: «Что-то Вы, Олимпиада Михайловна, толстеете день ото дня». В марте 1938 года Олимпиада Михайловна Величкина-Клодт была арестована, и после вынесения приговора отбывала наказание в Карагандинских лагерях, где и погибла от голода в 1943 году. Портрет Величкиной — один из череды женских образов, в которых художника привлекали полнокровная, цветущая красота молодости.
В зале художников-передвижников представлена одна работа, являющаяся типичным примером академического искусства конца XIX века, на обновление тематики которого подействовал «бунт 14-ти передвижников». Это дипломная работа выпускника Императорской Академии художеств Василия Евменьевича Савинского «Нижегородское посольство у князя Дмитрия Пожарского», написанная в 1882 году. Выбран момент, когда к князю Дмитрию Пожарскому прибыли нижегородские послы во главе с наместником Вознесенского Печерского монастыря архимандритом Феодосием с просьбой возглавить второе народное ополчение. В это время князь жил в своей вотчине в селе Юрино Нижегородского уезда, где лечился после ранения, которое получил, сражаясь в рядах первого народного ополчения с польскими войсками. Несмотря на плохое самочувствие князь отвечает им согласием: «Скажите пославшим вас, что я рад за православную веру страдать до смерти».
В композиции картины чувствуются академические традиции: вошедшие в комнату посланцы и князь с членами семьи разделены на две симметрично расположенные группы ярко освещенным окном. Темная фигура архимандрита с вытянутой вперед рукой — смысловой и композиционный центр картины, связывающий обе группы. Торжественность момента подчеркнута яркой красочностью нарядов. За эту работу в 1882 художник награжден большой золотой медалью и удостоен звания классного художника первой степени. Это была лучшая картина в его жизни.
Зал рубежа XIX — XX веков
Рубеж ХIХ-ХХ столетий являет собой образец сосуществования различных, зачастую, антагонистских направлений в искусстве. Это была эпоха, когда еще любимы зрителями поздние передвижники. В то же время появляются первые попытки художников авангарда перевернуть привычные представления об искусстве. Пожалуй, «золотой серединой» между уже сложившейся традицией и новейшими исканиями является творчество художников и художественных объединений, которых принято относить к культуре Серебряного века. В это время в России возникает несколько творческих союзов, самые крупные из них: «Мир искусства», «Союз русских художников», «Голубая Роза», «Бубновый валет». Отличительной особенностью художников, входивших в эти союзы, была многогранность их творческой деятельности. Они занимались и живописью, и оформлением театральных постановок, и декоративно-прикладным искусством. Неразделенность жанров и видов искусства привела к возрождению давно отошедшего в прошлое художника- универсала, одинаково успешно работавшего и в станковой и в прикладной сферах.
«Мир искусства» — художественное объединение, возникшее в 1898 году в Петербурге на основе кружка молодых художников и любителей искусства во главе с Александром Николаевичем Бенуа и Сергеем Павловичем Дягилевым. Помимо основного ядра, объединение включало в себя многих петербургских живописцев и графиков: Александра Яковлевича Головина, Константина Алексеевича Коровина, Бориса Михайловича Кустодиева, Николая Константиновича Рериха, Валентина Александровича Серова и других.
Мастер пленэрной живописи, первый русский импрессионист Константин Алексеевич Коровин был подлинной душой «Союза русских художников». Он оставил огромное художественное наследие. В собрании русского искусства рубежа XIX-XX веков нашего музея находятся восемь его произведений. Владевший выразительной и экспрессивной манерой письма, Коровин, являясь тонким колористом, наполнил их жизненной энергией, свежестью и артистизмом. Пейзаж «Гавань в Севастополе» написан художником в 1916 году. С высокой точки изображена набережная с одинокой пролеткой, корабли на рейде, спокойное море, виднеющийся вдали ночной город. Художник одновременно и пишет, и рисует кистью, превращая повествовательный рассказ об уголке Севастополя в эмоциональный. Картина написана на одном дыхании. Стремясь передать впечатление от приморского города, летнего вечера на взморье, художник освобождается от плена натуры, превращая повествовательный рассказ об уголке Севастополя в эмоциональный образ, где стираются грани между действительностью и фантазией.
Картинам Бориса Михайловича Кустодиева принадлежит особое место в отечественном искусстве первой трети XX века. Блестящий живописец, он работал и как театральный художник, пробовал свои силы в скульптуре и линогравюре. Безусловно, наиболее глубоко дарование Кустодиева проявилось в особом, им самим созданном стиле — сказочном, празднично-нарядном, декоративном, по-лубочному ярко отображающем жизнь русской провинции — ярмарок, маслениц, народных гуляний. К этой теме относится и «Елочный торг»- произведение, созданное художником в 1918 году. Художник изобразил предновогоднюю веселую суету. Пространство картины напоминает сценическую площадку, расположение фигур на первый взгляд лишено какого-либо смыслового и композиционного центра с таким расчетом, что изображение можно продолжить и вправо, и влево. Незамкнутость композиции, ее своеобразная текучесть еще более усиливают это общее впечатление. Локальные цветовые пятна образуют декоративное целое, без глубокого пространства.
Двойственным чувством пронизано все полотно — с одной стороны, Кустодиевым подмечены и перенесены на холст подлинные типажи русской провинции, передана реальная атмосфера предновогодней суеты, одновременно художник разыгрывает перед нами костюмированное представление с красивыми декорациями: хлопочут, радуются и суетятся люди, в небе рисует свои затейливые узоры снежная зима, сказочными кажутся церковные купола, и все это действо окутывают свежим хвойным ароматом красавицы-ели — главный предмет торга на ярмарке. В самой дате написания — особенная горечь: вскоре трагически уйдет с исторической сцены огромная эпоха, которую так любил и умел как никто изобразить Борис Кустодиев.
«Союз русских художников» — художественное объединение, созданное, прежде всего, группой молодых московских художников, бывших членов Товарищества передвижных художественных выставок. Программа «Союза русских художников» характеризуется интересом к русской природе и самобытности народной жизни, декоративностью живописной манеры, иногда тяготением к импрессионизму — доминированием пленэрного этюда. Художники соединили реалистические традиции передвижников и опыт импрессионистов в передаче световоздушной среды.
Произведения Николая Ивановича Фешина привлекали внимание современников экспрессивностью исполнения, своеобразным широким рваным мазком, эффектами колористических сочетаний — ярким художественным артистизмом. Его картина «Неудачная шутка», поступившая в 1930 году из бывшего музея Академии Художеств, написана в 1907 году, как один из вариантов дипломной работы.
Тема Серебряного века русского искусства продолжена в следующем зале — «Бубнового валета» и авангарда.
Зал «Бубновый валет»
Валентин Серов являлся одной из важнейших и ключевых фигур, во многом определивших на рубеже веков дальнейший ход развития русского художественного процесса. В эпоху мучительных поисков он нашел свой путь в искусстве — путь синтеза чистейшей эстетики, возведенной в культ импрессионистами, и национального психологизма. Серов был мастером портрета. Владея рисунком в совершенстве, обладая редким даром наблюдения, чувством формы, трудолюбием и умом, отзывчивым ко всем внушениям красоты, он обладал еще одним драгоценным качеством — непоколебимой художнической честностью. Именно благодаря этой характерной черте серовского мастерства в его портретах русский реализм так гармонично сочетался с эстетической утонченностью модернизма.
Серовская портретная галерея — один из драгоценнейших памятников эпохи. За свою жизнь он создал более 75 портретов. Гордостью коллекции музея является «Портрет Елизаветы Красильщиковой». В этой работе художник с артистическим мастерством создает образ незаурядной личности — умной, властной и в то же время прекрасной женщины. Решая большую живописную задачу, Серов изображает конкретный характер. Портрет написан пастелью, и Серов, прекрасно чувствуя специфику этого материала, мастерски передал фактурные качества предметов, виртуозно изображая лицо, и невесомый газ платья, и пронзительные искры бриллиантов, и суровую тяжесть черного пятна шали.
Портрет Елизаветы Алексеевны Красильщиковой — одна из самых больших заказных работ Серова. Художник, несомненно, был расположен к модели, делая в портрете акцент на ее внешнюю привлекательность, женственность и очарование. Кроме того, портрет прекрасно вписан в интерьер музейного зала, выполненного в стиле модерн.
В этом же зале находятся картины Виктора Эльпидифоровича Борисова-Мусатова — это образы прошлого, но без четко обозначенных исторических границ. Виктор Борисов-Мусатов ищет свой идеал в мире полузабытых «дворянских гнезд», старинных парков, отмеченных элегической нотой грусти. Основываясь на реальных впечатлениях, в пейзаже «Усадьба» благоговейная и трепетная кисть художника погружает зрителя в мир старинной русской усадьбы — большого белого дома с колоннами и пустынной аллеей заросшего парка.
Это — живописная элегия, рожденная созвучиями игры солнечного света, нежных красок с преобладанием голубых тонов, связанного у символистов с понятием духовного; певучими, как мелодия, почти прозрачными линиями; плавными ритмами; гармонией композиционного строя. Художник выражает в ней тончайшие оттенки чувств, смену настроений. Его холст похож на тканый ковер. Текстура — переплетения нитей, узелки, шероховатости не скрываются краской. Все, что мы видим, живописно равноценно, написано в одинаковой манере. Тем самым подчеркивается, что перед нами не иллюзия реальности, а лишь плод фантазии и мастерства художника.
Виктор Борисов-Мусатов писал пейзаж в атмосфере полной душевной гармонии — осенью 1902 года он женился на горячо любимой женщине Елене Владимировне Александровой, с которой он учился в Московском училище живописи. Все полотно буквально пронизано ощущением глубокой умиротворенности, безмерного счастья и легкой ноткой грусти, словно звуками фортепианной элегии, окутывающей этот дом и сад. «Усадьба» Борисова-Мусатова — это окно в утраченный нами мир красоты и поэзии, гостеприимно распахнутый художником для неспешного и трепетного созерцания.
«Бубновый валет» — сначала выставка, а затем объединение московских художников-живописцев 1910-1917 годов, в которое входили Пётр Кончаловский, Александр Куприн, Михаил Ларионов, Аристарх Лентулов, Илья Машков, Роберт Фальк и другие. Название выставки предложил Михаил Ларионов. «Бубновый валет» означало «мошенник», «плут», «человек, не заслуживающий доверия». Выставки объединения пронизывало настроение балагана, вызывающе дерзкого площадного представления. Несколько позже балаганная атмосфера сменилась углубленными формальными поисками. Бубнововалетцы стали стремиться сблизить русское искусство с достижениями западного постимпрессионизма, с культурой формы, достигнутой французскими художниками, прежде всего, Полем Сезанном. Но русские мастера «Бубнового валета» оказались не просто подражателями и стилизаторами. Для поиска новых художественных форм больше всего подходили жанры натюрморта и пейзажа. Эти жанры отличались у бубнововалетцев особым, чисто русским темпераментом, широтой техники, сочностью колорита, декоративностью.
Пётр Петрович Кончаловский — русский, советский живописец, на которого большое влияние оказало творчество французских постимпрессионистов, особенно Поля Сезанна. В поисках собственного пути художник Кончаловский путешествует по Европе, посещает Францию, Италию, вместе с тестем Суриковым едет в Испанию. Это турне оказалось решающим. Вернувшись в Россию, он близко сходится с авангардистами — Ильей Машковым, Михаилом Ларионовым, Натальей Гончаровой, Давидом Бурлюком.
Его «Натюрморт»; задуман как своеобразная аллегория живописи и музыки. Яркие, локальные цвета, ощущение «вещности» каждого предмета, умело созданная композиция — всё это создаёт на полотне некий визуальный праздник.
Аристарх Васильевич Лентулов увлекался примитивом и искусством Востока. Обращение к самобытным, фольклорным чертам русской народной живописи, иконописи, искусству лубка и вывесок свойственно его индивидуальной манере. Цветовые лучи-плоскости «Пейзажа» — один из излюбленных приемов Лентулова, своими геометрическими очертаниями гармонично сочетаются с буйством красочной стихии. Художник находится в шаге от кубизма. В самом «сезанском» из всех бубнововалетцев Роберте Фальке поражает особая напряженность, экспрессия цветовых сочетаний. Картина «Девушка у окна» написана в 1926 году и представляет новый период в творчестве мастера. Вязкая, фактурная, красочная поверхность холста мягко вибрирует монохромным, как бы подвижным светом. Роберт Фальк ищет в картине целостную, насыщенную светом среду, обволакивающую человека и предметы вокруг него. Художник всю жизнь оставался верен себе. В его женских портретах есть тайна, поэзия женственности, тонкость внутреннего мира. В самой картине царит ощущение покоя, благополучия. На ней изображена Раиса Вениаминовна Идельсон — поэтесса, художник, педагог, жена художника Роберта Рафаиловича Фалька.
В Краснодарском краевом художественном музее находится самая большая среди всех провинциальных музеев России коллекция работ русских художников-авангардистов. Собранная в конце 1920-х годов музейным заведующим Ромуальдом Казимировичем Войциком, она пролежала в запасниках музея до того самого времени, когда были сняты идеологические ограничения и можно было воссоздавать все многообразие художественной жизни первой четверти XX века.
Произведения художников-авангардистов дают представление о многовариантном развитии искусства этого исторического периода. Они постоянно экспонируются на многочисленных международных выставках. Термин «русский авангард» охватывает художественные явления, происходившие в 1910-1930 годы. В истории искусства — это период радикального отрицания и разрушения привычных взглядов на само искусство. Намеренно отказываясь от академических традиций, авангардисты порывали с художественным опытом, накопленным художниками предыдущих поколений. За два десятилетия искусство авангарда сумело пройти путь от полного отрицания реальных впечатлений до создания новой конструкции художественной формы. В залах музея это работы Казимира Малевича, Ольги Розановой, Ивана Гавриса, Александры Экстер и других.
[Not a valid template]Подлинным рупором новых авангардистских идей была Ольга Владимировна Розанова. Под влиянием идей кубофутуризма она иллюстрирует книги современных поэтов и писателей, вступает в ряды общества «Супремус» и активно сотрудничает с Казимиром Малевичем. Супрематический стиль Ольги Розановой, однако, приобретает существенные отличия от работ Малевича. Стиль художницы более декоративен, в работах нет мистического начала. Поэтому неудивительно, что уже в 1917-1918-х годов художница создает беспредметные цветовые композиции, которым дает название «цветопись».
Супрематизм — это условное наименование направления в авангардизме, созданного в середине 1910-х годов в России Казимиром Малевичем. Его основной задачей было, по субъективному мнению, художника, выражение высшей, абсолютной реальности в простейших формах. Картину Малевича «Черный квадрат» считают изобразительным манифестом супрематизма. Как разновидность абстрактного искусства супрематизм воплощался в сочетаниях простейших разноцветных и разновеликих плоскостей, геометрических фигур (прямоугольников, треугольников, полос), образующих пронизанные внутренним движением и гармонически уравновешенные композиции. Малевич является также основателем московского объединения художников-супрематистов, получившее название «Супремус» и возникшее в 1916 году. В 1917 году объединение стало частью общества «Бубновый валет» и заняло в нем ведущее положение.
На начальном этапе термин «Супремус», восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. В беспредметных полотнах краска, по мысли Малевича, была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — супрематические картины стали первым шагом «чистого творчества», то есть акта, уравнивавшего творческую силу человека и Природы (Бога). Многие цветовые поиски Малевича нашли применение в дизайне.
Кроме выставки русской живописи, от икон до произведений XX века, о которой мы рассказали, музей также знаменит коллекцией японской цветной ксилографии XVIII — середины XIX века и искусством Нидерландов XVI века. Адрес музея и часы работы можно узнать здесь
Журнал об искусстве Точка ART благодарит пресс-службу музея за помощь в подготовке экскурсии.
Также на сайте журнала вы можете совершить виртуальные экскурсии по выставкам:
Экскурсия по дому-музею Питера Пауля Рубенса в Антверпене
От Дюрера до Матисса: гид по выставке
Александринский театр: экскурсия по Музею русской драмы
«Романтика и усердие. Современное искусство Южной Кореи»: гид по выставке в Эрмитаже
«Ван Эйк. Оптическая революция»: гид по выставке в Генте
«Студия 44. Анфилада»: гид по выставке в Главном штабе
«Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России»: гид по выставке
«100 фотографий» Анатолия Болдина в РОСФОТОИскусство Ирана в Музее Востока
«EXIT» Игоря Новикова в ММОМА
Пасхальные яйца Карла Фаберже: шедевры коллекции из Музея Фаберже
