От Уинслоу до Серебряковой: курортная жизнь глазами известных художников

04 июля 2020

Курортная жизнь — это особая атмосфера, жизнь, наполненная только ей присущими впечатлениями, звуками, запахами, цветом и светом. Во все времена художники стремились запечатлеть это короткое, но очень яркое время.

В обзоре журнала об искусстве Точка ART — курортная жизнь XIX-XX веков в картинах известных художников.


Клод Моне «На досках в Трувиле»

Моне множество раз изображал на своих картинах трувильские пляжи, окрестные морские пейзажи и сам прелестный курортный городок, и картина «На досках в Трувиле» является типичной для творчества художника начала 1870-х.

Клод Моне «На досках в Трувиле», 1870. Частная коллекция © trouvillesurmer.org

Пляж, солнце, синее небо с легкими облаками, этот прекрасный солнечный день просто создан для неспешных прогулок по дощатому променаду, проложенному вдоль пляжа. Этот пейзаж французского импрессиониста входит в число редких работ Моне, которые никогда не показывались широкой публике. С 1883 по 1997 годы картина принадлежала семье Фрейдов, членами которой был основатель психоанализа Зигмунд Фрейд и художник Люсьен Фрейд, и не выставлялось по желанию владельцев. Впервые картина была выставлена в 2014 году в парижском музее Мармоттан-Моне, вместе с малоизвестными работами Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.


Хомер Уинслоу «Папа идет!»

Американский художник и график Хомер Уинслоу считается основоположником американского реализма, оказав влияние на последующее развитие американской живописи. Уинслоу был замечательным мастером морских пейзажей, все его творчество посвящено взаимоотношениям человека и морской стихии. Герои его картин живут рядом с морем и зависят от него — рыбаки, выходящие в своих лодках на ловлю крабов, женщины, ремонтирующие сети, чистящие рыбу и ждущие своих мужей на берегу. В ранний период творчества Уинслоу задумывался над взаимоотношением человека и моря, более поздние его картины показывают драматизм непосредственно самой стихии.

Хомер Уинслоу «Папа идет!», 1873. National Gallery of Art, Washington © nga.gov

Лето 1873 года Уинслоу провел в Глостере, штат Массачусетс. В воскресенье, 24 августа, на море случилась особенно сильная буря, которая разбила девять лодок и унесла жизни 128 человек. Этот драматический момент послужил основой для картины «Папа идет!». Жизнь рыбака всегда была опасной, а ураганы и трагедии оставались в памяти женщин и детей навсегда. Можно предположить, что мальчик в соломенной шляпе, пристально вглядывающийся в уже успокоившееся море, вскоре сам окажется в одной из рыбацких лодок, а на берегу его кто-то так же будет ждать.


Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт»

«Он отвлекся и от обыденного, и от поэтического взгляда на вещи и перешел в область «чистой и почти абстрактной гармонии».

Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», 1884. Институт искусств, Чикаго © artic.edu

«Воскресный день на острове Гранд-Жатт» — не только самая известная, но и самая большая картина художника — 207×308 см. Американский историк искусства и критик Линда Ноклин считала этот шедевр родоначальника пуантилизма Жоржа Сёра своего рода антиутопией, «мастерским изображением разочарованного ожидания чего-то и бессмысленности «сладкого ничегонеделанья». А немецкий философ Эрнст Блох назвал картину «Мозаика скуки». Что касается современников Сёра, то они использовали эпитеты «бедлам», «скандал» и «веселье», именно такими словами встречая одну из самых замечательных картин XIX века на выставке в Париже.

Сёра работал над картиной в течение двух лет, делая многочисленные эскизы и наброски маслом, с почти научной точностью решая вопросы цвета, света и формы, каллиграфически накладывая крошечные мазки, образуют единый, более яркий светящийся оттенок. В итоге, разместив всех персонажей, ему удалось запечатлеть на холсте остановившееся время.


Чарльз Кондер «Выходные в Ментоне»

В конце XIX века австралийские художники увлеченно искали средства художественного выражения, которые помогли бы адаптировать язык современного европейского импрессионизма к австралийскому ландшафту. Этот процесс дал поразительные и оригинальные результаты.

Чарльз Кондер «Выходные в Ментоне», 1888. Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида © agsa.sa.gov.au

Во второй половине 1880-х годов австралийские импрессионисты вдохновлялись лесами штата Виктория, пригородами Мельбурна (в частности, в одном из таких пригородов, Гейдельберге, возникло одноименное художественное объединение, ключевой фигурой которого был Чарльз Кондер), Канберры, Сиднея, природой Нового Южного Уэльса, пляжами Куджи и Ментона.

«Выходные в Ментоне» стали первой картиной Кондера, написанной им по возвращении из Сиднея в Мельбурн. Одна из самых известных картин художника заслуженно считается шедевром австралийского импрессионизма, а ведущий куратор австралийского искусства Национальной галереи Виктории называет ее «высокопарной, почти сюрреалистичной», но композиционно и эмоционально «блестящей, великолепно солнечной, как сама Австралия».


Петр Нилус (Словецкий) «На мостике. Лето»

«Если живопись вообще деликатна, как пыльца на крыльях бабочки, то марина (морской пейзаж — ред.) — это совсем нерукотворная вещь; не удалось в час — ничего не выйдет, хоть бейся месяц…» Так считал Петр Нилус, выдающийся южнорусский живописец и график, ученик Констанди и Репина.

Петр Нилус (Словецкий) «На мостике. Лето», 1898. Одесский художественный музей © museum.net.ua

Становление Нилуса как художника прошло в Одессе, где он закончил Художественную школа, а продолжить обучение в 1889 году отправился в Санкт-Петербург, в Академию Художеств. Учеба в столице была недолгой: Илья Репин, будучи его наставником, рекомендовал молодому художнику побыстрее начать выставочную деятельность и вернуться в родной город, где уже набирало обороты Товарищество Южнорусских художников.

На одесский период творчества Нилуса большое влияние оказали импрессионисты, с которыми художник познакомился во время поездки в Париж. Именно в конце 90-х годов XIX века он пишет морские пейзажи и небольшие жанровые картины, многие из которых посвящены Одессе. «На мостике» — одна из них. Близкий друг Нилуса, Иван Бунин называл художника поэтом живописи.


Константин Коровин «Пристань в Гурзуфе»

За спиной сидящей на веранде кафе женщины виден характерный крымский пейзаж: горы, море, парусная яхта выходит из бухты, по живописному склону Дженевез-Кая прямо к морю сбегают разноцветные домики. Свет — стихия художника — и именно через него он передает настроение южного жаркого летнего дня.

Константин Коровин «Пристань в Гурзуфе», 1914. Государственный Русский музей © rusmuseum.ru

В живописи Коровина, одного из крупнейших представителей русского импрессионизма, свет — такой же непосредственный выразитель чувств, как звук в музыке. Коровин говорил: «Я пишу для тех, кто умеет радоваться солнцу, бесконечному разнообразию красок, форм, кто не перестает изумляться легко меняющейся игре света и тени».

Коровин считал, что только «краски и форма в своих сочетаниях дают гармонию красоты». И Крым давал художнику возможность в полной мере проявлять свой удивительный дар колориста.


Норман Роквелл «Содовая»

Норман Роквелл — культовый американский художник и иллюстратор, на рисунках которого выросло целое поколение. Роквелл не просто рисовал, он рассказывал истории, показывал миру повседневную жизнь в мельчайших подробностях, всегда изображая своих героев —будь то «Девочка с синяком под глазом» или «Продавщица в канун Рождества» — с большой симпатией, которой неминуемо проникался и зритель.

Норман Роквелл «Содовая», 1953. Columbus Museum of Art © columbusmuseum.org

Идею «Содовой» Роквелл взял из рассказов своего сына, который работал в летнем кафе. Девочки любили приходить в кафе явно не ради содовой и мороженого, а ради бесед с веселым продавцом за стойкой. Парень в углу картины смотрит на беседующих с явной обидой и завистью, он тоже хотел бы так же непринужденно болтать и весело проводить время, но его не приглашают в компанию.

Обаятельные и ироничные рисунки Роквелла — это своеобразная ностальгия по «золотой эпохе» 50-х годов прошлого века, а еще — по детству, когда еще так просто верить в добро.


Александр Дейнека «В Севастополе»

Александр Дейнека — уникальный художник: в его творчестве было как минимум три совершенно разных стилистических периода; действительность 1920-х, 1930-х, 1940-1960-х годов диктовала ему свои жестокие правила, в рамках которых Дейнека находил возможность не менять вектор своего творчества.

Александр Дейнека «В Севастополе», 1956. Государственная Третьяковская галерея © deineka.ru

Будучи истинным певцом соцреализма, Дейнека идеализировал и романтизировал мир советской реальности, страшная нужда и суровые условия жизни трансформировались на его картинах в подвиг, достаточно вспомнить его женщин, волокущих неподъемные тачки и с радостными улыбками выполняющих самые тяжелые работы на стройке новых цехов.

Люди Дейнеки не только тяжело трудились, они занимались спортом, культивировали здоровый образ жизни, отдыхали. Севастополь в творчестве Дейнеки занимает особое место и неоднократно появляется на его картинах, достаточно вспомнить одну из самых известных его картин — «Оборона Севастополя» (1942). Но Севастополь, залитый солнцем, с его «презагорелыми, с фиолетовым отливом» мальчишками, отдыхающими, строгими набережными и сверкающим морем, пленил художника еще в середине 30-х годов во время командировки в Крым. Отдых советского человека на морском побережье мы видим и на акварели «Севастополь. Водная станция Динамо» (1934) и на картине 1959 года «В Севастополе».


Зинаида Серебрякова «Пляж с зонтиками»

Зинаида Серебрякова жила и работала во Франции сорок три года, и период с 1924 по 1939 год стал расцветом французского периода ее творчества. Каждое лето Серебрякова старалась уехать из Парижа, использовала любую возможность и малейший повод, чтобы сын Александр и дочь Екатерина побывали на море. Да и для самой художницы поездка на море — это еще один мотив для работы.

Зинаида Серебрякова «Пляж с зонтиками», 1931. Частная коллекция © gallerix.ru

В 1931 году в художница оказалась в Ментоне, курортном городе на Лазурном берегу, где создала большой цикл зарисовок, объединенных общей темой — «Пляж». Наброски, запечатлевающие быстро меняющуюся курортную жизнь, кажутся кадрами из фильма, в каждом — свой акцент: море, люди, дочь Катя в купальнике, зонтики, коляска, раздевалка, фигура с полотенцем. Отдыхающие беседуют на берегу, купаются в море, сидят в шезлонгах.

Такое большое количество пляжных зарисовок говорит, возможно, о том, что Серебрякова планировала написать произведение, продолжающее тему «ню», а, может, чувствуя все нарастающий динамизм жизни ХХ века, хотела «поймать» его в этой серии.


Также читайте в журнале:

Кью, Сан-Суси, Версаль: шесть самых красивых садов Европы
Еда как вдохновение: топ-10 натюрмортов в истории живописи
Моне, Климт, Ренуар и другие: самые красивые сады в живописи
От Брейгеля до Кустодиева: Нарушители социальной дистанции в искусстве
10 малоизвестных течений современного искусства: Египетский сюрреализм, Негритюд, AfriCOBRA

Популярное