Конец XIX века ознаменовался появлением нового художественного направления, известного как ар-нуво, или «новое искусство». Зародившись в Европе, ар-нуво быстро завоевал популярность, став своеобразным ответом на устаревшие каноны академизма и историзма. Стиль стремился к созданию целостного художественного образа, пронизывающего все сферы жизни, от архитектуры до предметов быта. Характерными чертами ар-нуво стали плавные линии, растительные орнаменты и использование новых материалов и технологий. В различных странах ар-нуво приобрел свои уникальные черты и наименования, отражая национальный колорит и художественные традиции. В России это направление получило название «русский модерн», впитав в себя элементы русского фольклора и декоративно-прикладного искусства. Журнал Точка ART приглашает углубиться в мир ар-нуво и взглянуть на его ярких русских представителей.

Михаил Врубель «Фауст. Триптих», 1896

Триптих «Фауст» Михаила Врубеля, вдохновленный оперой Гуно, являет собой уникальное переосмысление готических мотивов в преддверии модерна. Форма триптиха, отсылающая к средневековым алтарям, создает атмосферу возвышенности и мистики. В центре — трагическая кульминация истории Фауста и Маргариты, где Фауст, очарованный красотой, олицетворяет страсть, а Мефистофель слева — зло и рок. Правая панель традиционно символизирует надежду на спасение души.

Декоративность ар-нуво проявляется в изысканных узорах одежд Маргариты и текстуре фона, напоминающей мозаику. Символизм пронизывает выбор сюжета, аллегорически отражающего борьбу добра и зла, а также использование приглушенных цветов, создающих атмосферу тайны. Выражения лиц персонажей передают сложную гамму чувств: страсть Фауста, невинность и испуг Маргариты, холод Мефистофеля. Плавные линии в складках одежд и прическах, элементы стилизации и обобщения форм указывают на влияние модерна.

Врубель синтезирует готические, символистские и ар-нуво влияния, переосмысливая художественные тенденции Триптих «Фауст» не является строгим примером модерна, но отражает его влияние через декоративность, символизм, линеарность и интерес к мозаичным эффектам.

Николай Рерих «Идолы» (эскиз), 1901

Картина Николая Рериха «Идолы» (1901) воплотила интерес художника к архаике и язычеству. На полотне изображено капище — место поклонения древним богам, полное мрачной таинственности. Рерих использует стилизацию и упрощенные формы, характерные для стиля ар-нуво, отказываясь от излишней реалистичности в пейзаже. Однако картина не являются чистым образцом ар-нуво, а представляют собой комбинацию с художественными элементами символизма и национального романтизма.

«Идолы» наполнены символизмом и аллегоричностью: застывшие идолы на фоне суровой природы олицетворяют размышления о древних культах и связи человека с природой. Преобладающая приглушенная цветовая гамма с холодными оттенками усиливает ощущение мистицизма и отстраненности. Композиция картины построена на принципах гармонии и равновесия, создавая ощущение умиротворения и вечности.

Леон Бакст «Древний ужас», 1908

«Бакст весь ушел в Элладу <…>. Надо видеть его в античных отделениях Эрмитажа или Лувра, методически зарисовывающим орнамент, подробности костюмов и обстановки, чтобы понять, что здесь больше, нежели поверхностное историческое увлечение. Бакст одержим Элладой, он бредит ею, он только и думает о ней», — писал Александр Бенуа.

Картина Леона Бакста «Древний ужас» — загадочное и мрачное полотно, выделяющееся в его творчестве. Картина наполнена эмоциональной выразительностью, создавая атмосферу страха и безысходности: на фоне хаотического пейзажа застыла женская фигура, вызывающая чувство тревоги и опасности. Женский образ олицетворяет уязвимость, пейзаж — внутренний хаос. «Древний ужас» также отражает эстетику декаданса, с его интересом к темным сторонам человеческой природы.

«Древний ужас» — не просто полотно, а эхо эпохи, воплощенное в красках. Греческое путешествие Бакста оставило неизгладимый след, пронизав картину духом античной трагедии. Эта работа стала квинтэссенция ар-нуво: символизм пронизывает каждый мазок, стилизация возведена в абсолют, экзотика манит, а эмоциональная выразительность достигает апогея.

Федор Боткин «Вечер на берегу озера. Три женских силуэта (Опыт декоративного мотива в желтых тонах)», 1897

Федор Боткин, выходец из известной купеческой семьи, получил прозвище «замоскворецкий парижанин». Юридическое образование в Москве сменилось увлечением живописью в Италии, где он учился в Неаполе и Милане. В Париже Боткин посещал мастерскую академиста Ролля, но попал под влияние модерна благодаря общению с французскими художниками. Он познакомил Сергея Щукина с импрессионистами, сыграв важную роль в формировании его знаменитой коллекции.

Федор Боткин «Портрет неизвестной», 1900

Основной темой его творчества стал идеал вечной женственности, характерный для символизма. Луначарский отмечал, что Боткин изображает женскую красоту как «цветок, чистую, привлекательную форму». Его искусство избегает детализации, используя два-три тона, нюансы и тени, создавая пленительные, отвлеченные образы. Панно «Вечер на берегу озера» в стиле модерн отличается плавностью линий, обобщенностью рисунка и тональными переходами. Золотисто-матовая поверхность, изысканные силуэты и задумчивые позы создают атмосферу грез. Боткин часто включал указание на цветовую доминанту в название работы, стремясь к ирреальному миру. Он увлекал зрителя в мир призрачных образов и неясных мечтаний.

Александр Бенуа «Прогулка короля», 1906

Александр Бенуа воссоздавал на своих полотнах мир «Франции эпохи короля-Солнца» и «Петербурга XVIII-XIX веков». Бенуа, в отличие от других «мирискусников», не просто любовался прошлым, а вел с ним живой диалог. Полотно «Прогулка короля» переносит зрителя в Версаль. Осенний пейзаж с обнаженными деревьями и тихим прудом, отражающим скульптуры и процессию монарха, создает атмосферу спокойствия и меланхолии.

Картина, выполненная в духе ар-нуво, пленяет декоративностью и стилизацией, проявляющейся в утрированных деталях костюмов, причесок и архитектуры парка. Орнаментализм пронизывает изображение растительности, фонтанов и даже облаков, создавая ощущение сказочного мира. Парк, представленный как «прирученное» пространство, становится не просто природным мотивом, а декоративным элементом, отражающим эстетику ар-нуво.

Сцена наполнена гедонистическими настроениями, характерными для стиля, предлагая зрителю уйти от реальности в мир красоты и наслаждения жизнью. Обращение к эпохе Людовика XIV можно рассматривать как эскапизм, поиск идеализированного прошлого. Картина напоминает театральную сцену, где фигуры застыли в изящных позах, а образ короля может символизировать уходящую эпоху, противопоставленную хаосу современности.

Константин Сомов «Арлекин и смерть», 1907

Константин Сомов своей картиной затрагивает ключевые темы Серебряного века — театральность жизни и столкновение искусства со смертью. Арлекин, центральный персонаж, становится символом эпохи, отражая увлечение богемы образами Комедии дель арте. На фоне условного русского пейзажа разворачивается диалог Арлекина и Смерти, что создает ироничный контраст между реальным и театральным. Пространство рисунка напоминает театральную сцену с березами в роли кулис и ламбрекенов.

Арлекин и Смерть, играющие на переднем плане, кажутся более живыми, чем задний план с влюбленной парой. Виртуозный рисунок пером и акварелью демонстрирует мастерство Сомова в создании изящных станковых работ. Неотъемлемой частью стиля художника становятся миниатюрные бабочки, добавляющие работе особое очарование и интерес для коллекционеров того времени.

Александр Головин «Умбрийская долина», 1910-е

Картина Александра Головина «Умбрийская долина» — это квинтэссенция искусства Серебряного века, отражающая стремление к идеализированной красоте и уход от реальности. Пейзаж Умбрии, представленный как «зеленое сердце Италии», манит зрителя своей безмятежностью и гармонией. Холмистый ландшафт, венчаемый Апеннинами, создает ощущение вневременного блаженства. Розовый куст на переднем плане — излюбленный мотив художника, символизирующий его жажду красоты. Головин, словно вышивая, создает красочный и нежный «гобелен» природы. Композиция картины напоминает театральную декорацию, что неудивительно, учитывая многолетний опыт Головина в оформлении театральных постановок. Зритель словно смотрит на панораму с балкона театра, погружаясь в мир грез и мечтаний художника.

Исаак Бродский «Италия», 1911

Картина Исаака Бродского «Италия» родилась во время его путешествия на Капри, куда он был приглашен Горьким. Полотно стало гимном итальянской природе и мастерству, унаследовав композиционные приемы Репина. На картине изображены дары моря и земли, создающие изобильный первый план, уходящий в горы. Жена художника вспоминала, что Бродский изобразил в образах итальянцев себя и своих близких. Все персонажи на холсте равнозначны, а колорит напоминает старинные гобелены. Несмотря на трудности в процессе, художник создал произведение, верный традиционному искусству. Картина отражает любовь Бродского к предметному миру и его стремление передать красоту и разнообразие Италии.

---

Больше о художниках и живописи — на сайте журнала:

От передвижников до импрессионистов: подборка живописи ко Дню художника
«Модернисты и бунтари»: глава из книги Мартина Гейфорда
Искусство подражания: ко дню рождения Марианны Веревкиной
Русские художники в Берлине: глава из книги Марины Дмитриевой «Аллотопии»
Мастер монументальных обобщений: к 145-летию Кузьмы Петрова-Водкина
Валентин Серов и его «безжалостная кисть»: к 160-летию со дня рождения художника