От передвижников до импрессионистов: подборка живописи ко Дню художника
8 декабря в России отмечается День художника. Журнал Точка ART рассказывает о богатом наследии отечественных мастеров в подборке шедевров из региональных музеев.
Калужский музей изобразительных искусств
Константин Юон с ранних лет интересовался жизнью и историей России. Он много путешествовал по городам страны, изображая древнюю архитектуру в сочетании с колоритными сценами. В Калужском музее изобразительных искусств хранится акварель «У Псковского собора», приобретенная в 1945 году, на которой изображена набережная старого собора с лодками и торговым базаром. Еще одна работа художника с аналогичным названием, «Лодки у берега. Псков», хранится в музее-квартире И. Бродского, а две другие находятся в частных собраниях. Юон впервые посетил Псков в 1904 году и многократно возвращался в 1906, 1907, 1915, 1916 и 1917 годах, постоянно ища новые композиционные решения для своих картин, отражающих величие города. Его любовь к Пскову проявилась в интенсивной работе над изображением этого исторического места.
Виктор Васнецов был многогранным художником. Он создал монументальные росписи Владимирского собора в Киеве, православного собора в Варшаве. По его проектам были построены церковь Спаса нерукотворного в Абрамцеве, его собственный дом в 3-м Троицком переулке в Москве, фасад Третьяковской галереи. В его творческом наследии —множество графических работ в разных техниках, а также станковые полотна, изображающие героические сюжеты из древнеславянского эпоса.
На его полотнах оживает сказочная Русь с богатырями и царевнами, пересказывая народные предания и сказания. Одним из ярких примеров является графическое произведение «Встреча Олега с волхвом», созданное в 1899 году как иллюстрация к «Песни о вещем Олеге» А.С. Пушкина. Эти рисунки были включены в юбилейное издание сочинений поэта. Оригиналы иллюстраций долгое время считались утерянными, пока не были обнаружены в Государственном литературном музее. Также существует другой вариант «Встречи Олега с волхвом», который демонстрирует более эпический стиль, акцентируя внимание на фигуре кудесника и создавая драматический эффект. В этом варианте не только переданы эмоции, но и акцентировано внимание на коне, который, прислушиваясь, усиливает трагизм пророчества.
Лев Феликсович Лагорио был талантливым художником-пейзажистом, который внес значительный вклад в русское искусство XIX века. Итальянец по происхождению, он стал русским подданным и провел свою жизнь в России. Он родился в Феодосии, где начал увлекаться живописью под влиянием И. К. Айвазовского. В 1843 году Лагорио поступил в Императорскую Академию художеств, где начал формироваться его стиль, отличающийся гармонией коричневых и синих тонов.
После блестящего окончания академии в 1850 году он получил Большую золотую медаль, что дало ему возможность поездки за границу, где он создал около 30 произведений. Лагорио известен своими морскими пейзажами и работами, посвященными истории российского флота, а также акварелями Крыма и Кавказа. Его творчество всегда оставалось в рамках академических традиций, и он стал мастером маринистической живописи, не повторяя других художников. Одной из его известных картин является «Горное озеро», отражающее его увлечение природной красотой и мастерством в передаче световых эффектов. Лагорио был признан в своем времени, получив звание почетного члена Академии художеств в 1900 году.
Ярославский художественный музей
На картине, написанной в 1890-е годы, Левитан изображает фонарь, освещающий веранду, обобщенные силуэты деревьев, которые усиливают контраст света и темноты. Художник любил проводить время в разных загородных местах, в том числе у Чехова в Ялте, но точный источник вдохновения для этой картины остается неизвестным. К концу жизни здоровье Левитана ухудшилось, что отразилось на его творчестве: он часто писал вечерние пейзажи, но при этом, их палитра становилась ярче. Одной из знаковых работ этого периода стала картина «Сумерки. Стога», написанная в Ялте. Левитан не следовал одной техники, используя различные мазки и слои, а также иногда возвращался к завершенным полотнам, дополняя их.
Иронична картина Владимира Маковского изображает мальчика-слугу, который, развалившись в кресле хозяина, мечтает о богатстве, куря сигару, но не выпуская тряпку из рук. Интерьер барской комнаты, с картинами, роскошными аксессуарами и дорогой пепельницей, подчеркивает недоступность этого мира для трудолюбивого мальчика. Маковский, продолжая традиции Федотова и Перова, создавал жанровую живопись, которая показывала не просто сцены, а целые истории, близкие современникам. В некоторых работах, таких как «Свидание», юмор сменяется драмой, отражая глубокие внутренние переживания героев. Творчество Маковского отличалось человечностью и вниманием к судьбам людей разных слоев общества, что сделало его работы востребованными среди всех ценителей искусства.
Знойный летний пейзаж с босой девушкой, идущей по пыльной дороге и обширным небом, что показывает мастерство Куинджи как пейзажиста, хотя здесь он еще не раскрыл свой талант к эффектам свечения. В 1870-х годах его вдохновляли идеи Товарищества передвижных художественных выставок.
«Иллюзия света была его богом, и не было художника, равного ему в достижении этого чуда живописи», — отзывался Илья Репин о творчестве Куинджи.
Стремясь отображать реальность без прикрас, Куинджи вскоре отошел от взглядов передвижников и в результате создал свой уникальный стиль романтического пейзажа. Настоящая слава пришла к художнику с работой «Лунная ночь на Днепре», которую он выставил в 1880 году. для создания оптической иллюзии свечения Луны использовал электрическое освещение, что поразило зрителей. Куинджи проводил эксперименты с цветами и техникой живописи, что позволило ему усиливать эффекты света.
Музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Роберт Фальк увлекся импрессионизмом во время учебы в Московском училище живописи, где его наставниками были Валентин Серов и Константин Коровин. В 1910 году он стал одним из младших участников объединения «Бубновый валет», отвергающего академизм и реалистическую школу и вдохновляющегося французскими импрессионистами, особенно Полем Сезанном. Фальк мастерски сочетал авангардные идеи с лиризмом и уважением к классическим традициям, участвуя также в выставках художественного союза «Мир искусства».
Известность ему принесла не только живопись, но и работа в театрах, особенно в еврейских. Картина «Лиза на солнце» — портрет его первой жены, выполненный в импрессионистском стиле. Он демонстрирует применение чистых спектральных цветов и контрастов холодных и теплых тонов. Однако, в отличие от динамики импрессионистов, Фальк создает атмосферу покоя и медитативности, сближая портрет с русским символизмом. Образ женщины в светлом костюме напоминает работы Виктора Борисова-Мусатова, одного из главных символистов России.
Натюрморт был написан Константином Коровиным в 1916 году в его доме в Гурзуфе на берегу Черного моря, где он жил в 1910-х годах. В это время художник увлекся натюрмортами, создавая серию работ с розами, передавая их чувственность яркими красными и розовыми оттенками. Коровин пристально выбирал вазу для букета, утверждая, что это необходимо для передачи «голоса» цветов. Его натюрморты выделялись сочными цветами и блестящими поверхностями, за что он был прозван «Моцартом живописи». В письме другу Крайтору он упоминал о трудностях написания картин из-за жары и нехватки подходящих роз в июле. Его страсть к этим цветам сохранялась даже в Париже, где он иногда использовал бумажные бутоны. Коровин стремился привнести радость в жизнь людей, что отражалось в его ярких и светлых картинах, связывая его с движением русского импрессионизма, где художники работали на открытом воздухе и стремились уловить игру света.
Самарский областной художественный музей
Творчество Михаила Нестерова пронизано религиозной тематикой, его персонажи — это монахи-отшельники и прекрасные девушки, избравшие уединение. Художник, родившийся в Уфе, запечатлевает на своих картинах красоту русской природы, особенно в пейзажах родных мест на берегу реки Белой. Одной из ключевых работ Нестерова является картина «Пустынник» (1888-1889), изображающая старца, ушедшего от мирской жизни. В период Первой мировой войны Нестеров создает «Старца» — образ согбенного старца, молящегося о человеческих грехах, который отражает поиски смысла жизни и роль России в истории. Созданная в начале XX века, картина отображает изменения в манере художника, отразившиеся в стилистике модерна и декоративности, с характерной холодной цветовой гаммой.
Картина Репина изображает двух казаков, один из которых выделяется на фоне блеклого голубого неба, а второй, находящийся в глубине, почти теряется в пространстве. Небо, затянутое размытыми облаками, создает глубину и атмосферу, в то время как нижняя часть полотна изображает выгоревшую степь, переливающуюся бледным золотом. Фигура второго казака, сидящего на светлой лошади, выполнена в приглушенных цветах, что акцентирует внимание на главном персонаже. Центральный казак является ярким элементом композиции с выразительной позой, вытянувшейся в напряжении, в красном кафтане и высокой шапке, держащий длинное ружье, подчеркивающее его готовность и решимость. Эта сцена наполнена воздухом и пространством, что усиливает ее эмоциональную составляющую.
Вятский художественный музей им. В.М. и А.М. Васнецовых
Работа Николая Рериха сразу обрела популярность и признание. После окончания Академии художеств Рерих путешествовал по России, изучая древнерусское искусство, которое вдохновило его на создание цикла «Начало Руси. Славяне». В картине, выполненной по-сухому, удивительно ярко проявляются четкие контуры и отсутствует смешение цветов, что создает эффект бархатистости и напоминает древнерусские фрески. Картина содержит элементы прикладного искусства: ладьи и красные паруса. Также ощущается в работе влияние Архипа Куинджи и театрального искусства. Позднее художник сместил свои интересы на восточные темы и философские поиски, инициировав ряд экспедиций и подготовив «Пакт Рериха» для защиты культурных ценностей.
Взрастив свою любовь к морю, Иван Константинович Айвазовский посвятил ему свои лучшие работы. Он сделал его основным героем своих картин, где свет и цвет переплетаются в запечатлении морских просторов, будь то шторм или штиль. Феодосия оставалась для него родным городом, который он любил и поддерживал до конца жизни, пытаясь сохранить его благополучие.
На картине «Корабли на бушующем море» Айвазовский передает мгновение сражения человека со стихией, где под огромными волнами борются за жизнь потерпевшие, а пробивающийся свет символизирует надежду на спасение. Темный фон и бушующие волны создают атмосферу тревоги, но художник оставляет место для уверенности, что шторм утихнет, и солнечный свет вновь озарит мир. Надежда пронизывает не только картины, но и сердца зрителей, обращая взгляд на культуру, которую создал сам Айвазовский.
Больше о художниках и их творчестве читайте на сайте журнала:
Поэт природы: 7 шедевров Исаака Левитана ко дню рождения художника
«Трудолюбивая посредственность» Илья Репин: к 180-летию художника
Богатыри, гусляры и царевны: Сказочный мир Виктора Васнецова ко дню рождения художника
Валентин Серов и его «безжалостная кисть»: к 159-летию со дня рождения художника
Художник Дмитрий Мясников: «Хорошо, когда художник знает, что пишет»
«Гой ты, Русь, моя родная»: образы России в живописи русских художников
Владимир Маковский и его «крестьянские дети»: подборка картин к 177-й годовщине со дня рождения художника
Строгий реалист Василий Суриков: к 175-летию со дня рождения художника
Древняя Москва Аполлинария Васнецова: к 166-летию со дня рождения художника
