Свобода самовыражения: главы из книги Стефани Стрейн «Абстрактное искусство»

14 ноября 2021

Зародившись в 1900-х годах в среде символизма, кубизма и экспрессионизма, абстракция быстро стала глобальным художественным явлением, изменившим облик модернизма и современного искусства. Порой отпугивающая зрителей непонятностью и связью со сложными эстетическими теориями, многим художникам она открывает новые пути постижения окружающего мира.

Стефани Стрейн, автор книги «Абстрактное искусство», вышедшей в издательстве «Ad Marginem», — старший куратор современного искусства в Национальной галерее Шотландии в Эдинбурге, предлагает увлекательное введение в сравнительно недолгую, но богатую событиями историю абстрактного искусства от начала XX века до наших дней на примере творчества семидесяти четырех абстракционистов — от Хильмы аф Клинт до Марка Ротко и от Василия Кандинского до Раны Бегум.

От истоков абстрактного искусства до цифровой эры — в рубрике «Книжное воскресенье» журнал Точка ART публикует рассказы о художницах разных лет ХХ-XXI веков, реализовавшихся в абстрактном искусстве.

Стефани Стрейн «Абстрактное искусство»
© Ad Marginem

Глава «Истоки абстрактного искусства»

Ольга Розанова
1886–1918

Успев поучиться в нескольких частных и государственных художественных школах Москвы и Санкт-Петербурга, Розанова вступила в авангардное общество «Союз молодежи», которое действовало в Петербурге — Петрограде в 1909–1917 годах. Поначалу входившая в круг русских футуристов, затем она примкнула к супрематизму — движению, основанному Казимиром Малевичем.

В 1913 году в журнале Союз молодежи вышла в свет статья Розановой Основы Нового Творчества и причины его непонимания. В этом тексте она объясняла причины зарождения абстрактного искусства: «Как раскрывает себя нам мир? Как отражает мир наша душа? Чтобы отражать — надо воспринять. Чтобы воспринять — коснуться — видеть. <…> [Начинается] Эра окончательного освобождения Великого Искусства Живописи от несвойственных ему черт Литературного, Социального и грубо жизненного характера от нутра. В выработке этого ценного миросозерцания и заключается заслуга нашего времени…» Иными словами, абстрактное искусство, по мысли художницы, вовсе не отворачивается от мира, а, наоборот, проливает на него новый свет.

Приняв участие в Последней футуристической выставке картин «0–10», Розанова вступила в группу «Супремус», организованную Малевичем и выпускавшую одноименный журнал. В результате ее стиль приобрел новые черты, и в течение последних нескольких лет своей короткой жизни она создавала абстрактные картины и рисунки, отличающиеся сложной ритмической организацией и тонкой цветовой гармонией. Малевич считал Розанову своей лучшей ученицей и сам испытывал влияние ее искусства.

В возрасте тридцати двух лет Розанова умерла от дифтерии в Москве.

КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

  1. Работы Розановой демонстрируются на пятой выставке общества «Бубновый валет» рядом с произведениями Казимира Малевича и Любови Поповой. В том же году художница показывает свои проекты текстиля и одежды на выставке Художницы — жертвам войны в Москве.
  2. В Москве открывается большая посмертная ретроспектива Розановой, включающая двести пятьдесят ее работ.
Ольга Розанова «Беспредметная композиция», 1916 Екатеринбургский музей изобразительных искусств
Ольга Розанова «Беспредметная композиция», 1916 © Екатеринбургский музей изобразительных искусств

Абстрактный стиль Розановой далек от строгой геометрии. Каждый прямоугольник в этой диагональной композиции имеет небольшие отклонения от правильной формы, которые передают зрителю явственное ощущение движения.


Глава «Языки абстрактного искусства»

Марлоу Мосс
1889–1958

Британская художница-конструктивистка, известная как Марлоу Мосс, родилась в Лондоне. Родители назвали ее Марджори Джуэл, но позднее она взяла себе мужское имя Марлоу — по-видимому, в знак протеста против гендерных предубеждений в мире искусства. В 1927 году Мосс поступила в парижскую Современную академию, чтобы учиться у известного живописца-кубиста Фернана Леже. Большое влияние на ее художественную эволюцию оказало знакомство с Питом Мондрианом в 1929 году: вслед за ним она приняла решение ограничиться использованием трех основных цветов. В ее картинах, скульптурах и рельефах, исследующих «пространство, движение и свет», отразились не только неординарные художественные идеи, но и глубокие математические познания. В 1931 году Мосс в числе сорока приверженцев абстрактного искусства выступила одним из учредителей объединения «Абстракция — Творчество».

В 1941 году, в связи с немецкой оккупацией Франции и угрозой преследования, Мосс — еврейка и лесбиянка — поспешила вернуться в Великобританию, где поселилась в отдаленной деревне в графстве Корнуолл. Ее контакты с авангардистами на континенте не прерывались, к тому же она подружилась с художниками, которые работали в расположенной неподалеку Школе искусств Сент-Айвза, в частности с Беном Николсоном и Барбарой Хепуорт. Тем не менее вынужденная изоляция не прошла бесследно: многие ранние работы Мосс исчезли во время войны, а ее вклад в развитие довоенной геометрической абстракции оказался забыт. Так, введенный Мосс в 1931 году мотив двойной линии (двух параллельных прямых с небольшим интервалом между ними) в строгой геометрической композиции долгое время считался изобретением Мондриана, который использовал его в ряде своих работ. После того как историческая справедливость была восстановлена, это и некоторые другие новшества закрепили за Мосс центральное положение в абстрактном искусстве Парижа между двумя мировыми войнами.

КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

  1. Работы Мосс демонстрируются на большой групповой выставке Конструктивисты в Кунстхалле Базеля.
  2. В Национальном музее Амстердама проходит посмертная ретроспектива Мосс.
Марлоу Мосс «Композиция с желтым, черным и белым», 1949 Галерея Тейт, Лондон
Марлоу Мосс «Композиция с желтым, черным и белым», 1949 © Галерея Тейт, Лондон

Мосс дополнила плоское живописное изображение третьим измерением, наклеив на холст невысокие деревянные планки, тени которых эффектно контрастируют с ярко-белым фоном и желтым прямоугольником в центре композиции.


Глава «Абстрактный экспрессионизм и его последователи»

Ли Краснер
1908–1984

Абстрактная экспрессионистка первого призыва, Краснер родилась и выросла в Нью-Йорке, в семье эмигрантов из России, и с семнадцати лет училась в лучших художественных учебных заведениях США, в том числе в колледже «Купер Юнион» и в Национальной академии рисунка. В период учебы она решила сменить данное ей родителями имя Лена на более нейтральное в гендерном плане Ли.

В 1937–1940 годах Краснер посчастливилось оказаться среди студентов Школы искусств Ханса Хофмана — известного немецкого живописца-абстракциониста, который жил и работал в Нью-Йорке с 1933 года. Талантливый педагог, он передавал своим ученикам полученные из первых рук навыки аналитического кубизма и в результате оказал значительное влияние на развитие абстрактной живописи в США. Этюды углем, сделанные Краснер в рисовальном классе Хофмана, позволили ей овладеть языком абстракции, основанным на комбинировании ломаных плоскостей и множественных перспектив, с помощью которых кубисты показывали предметы с разных точек зрения одновременно. На одном из занятий Хофман якобы сказал ей: «Трудно поверить, что ваша работа сделана женщиной, — так она вам удалась». В дальнейшем Краснер всю жизнь приходилось сталкиваться с проявлениями сексизма и антисемитизма. Во время холодной войны ФБР даже подозревало ее в шпионаже — по-видимому, просто из-за русско-еврейского происхождения.

Почти сорок лет спустя, в 1974 году, Краснер наткнулась у себя в мастерской на кубистские рисунки, которые она делала во времена обучения у Хофмана, и решила использовать их — разрезав на фрагменты — для новой серии коллажных картин под общим названием Одиннадцать способов визуального использования слов. Свои чувства при встрече с этими старыми работами она охарактеризовала так: «У меня возникло желание не просто изучить их, а изменить или даже создать заново».

Краснер никогда не стремилась найти свой отличительный стиль и следовать ему впредь. Она работала сериями, внутреннее единство которых, даже если они не походили одна на другую, было для нее важнее постоянства манеры. Ее работы варьируются от рисунков и маленьких акварелей на бумаге ручной работы до мозаичных столов и живописных полотен длиной до шести метров. К созданию крупномасштабных произведений Краснер обратилась только после смерти своего мужа, Джексона Поллока, в 1956 году: придя некоторое время спустя в его просторную светлую мастерскую, она почувствовала, что должна наконец дать волю своим безграничным амбициям в живописи.

КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

  1. Краснер знакомится с работами Джексона Поллока, после чего вместе с ним, а также с Виллемом де Кунингом и рядом других передовых нью-йоркских художников принимает участие в групповой выставке Американская и французская живопись в галерее Макмиллена. Поллок и Краснер поженятся в 1945 году.
  2. Краснер получает крупный заказ на оформление окон нижних этажей нью-йоркских зданий рекламой курсов военных профессий.
  3. В лондонской галерее Уайтчепел проходит большая персональная выставка Краснер — ее первая экспозиция в Европе и в государственном музее вообще.
Ли Краснер «Лысый орел», 1955 Собрание Одри Ирмас, Лос-Анджелес
Ли Краснер «Лысый орел», 1955 © Собрание Одри Ирмас, Лос-Анджелес

Эта работа входит в серию коллажных произведений, впервые показанных Краснер в нью-йоркской галерее «Стейбл» в 1955 году. Ее плотную разнородную поверхность составляют куски холста, смятых газет, а также рисунков и картин Краснер и Поллока, объединенные в динамичное, пульсирующее целое.


Глава «Глобальные геометрии»

Кармен Эррера
Род. 1915

Родившаяся в Гаване, в семье журналистов (ее отец был основателем кубинской газеты El Mundo), Эррера уже в детстве начала учиться рисунку и живописи, а в четырнадцать лет была отправлена родителями в Париж, где продолжила занятия искусством.

В 1938 году она ненадолго вернулась в Гавану и в течение двух семестров изучала архитектуру в местном университете; этот короткий эпизод в биографии оказал решающее влияние на ее выбор в пользу геометрической абстракции. Вот красноречивый фрагмент из воспоминаний художницы о том времени: «Передо мной открылся удивительный мир, который с тех пор остался со мной навсегда, — мир прямых линий, интригующий меня сегодня ничуть не меньше, чем много лет назад».

В 1941 году Эррера переехала в Нью-Йорк и через два года поступила на курсы Лиги студентов-художников, хотя ее угнетал царивший там культ фигуративности и социального реализма. Только в 1948 году, оказавшись в Париже, где абстракция была на пике моды, она почувствовала себя в долгожданной компании единомышленников. Вскоре ее работы уже демонстрировались в салоне «Новые реальности», основанном при участии Сони Делоне-Терк, которая выступала связующим звеном между конструктивизмом 1920-х годов и послевоенным информелем. Отчасти под ее влиянием Эррера начала ограничивать свою палитру — сначала тремя, а затем и двумя цветами в одной картине.

В 1954 году она вернулась в Нью-Йорк, где к тому времени достиг расцвета абстрактный экспрессионизм, и подружилась со многими его представителями, в частности с Барнеттом Ньюманом и Марком Ротко. В нью-йоркских координатах ее стиль оказался созвучен абстракции жестких контуров, представители которой противопоставляли себя жестуальной живописи действия.

Критики и историки искусства, а также коллекционеры долгое время недооценивали творчество кубинско-американской художницы. Она впервые сумела продать картину лишь в 2004 году, когда ей было уже восемьдесят девять лет. Однако с тех пор живопись Эрреры пользуется большим успехом и демонстрируется в музеях по всему миру, а ее творческая активность не угасает.

КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

  1. Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке открывает большую персональную выставку Эрреры Линии света, на которой демонстрируются ее работы раннего и среднего периодов — 1948–1978 годов.
  2. Под эгидой нью-йоркского Фонда паблик-арта на площади у мэрии города открывается первая выставка уличных скульптур Эрреры, многие из которых она задумала еще в 1960-х годах, о чем свидетельствует множество рисунков, выполненных ею в то время.
Кармен Эррера «Лазурь», 1965 Музей американского искусства «Хрустальные мосты», Бентонвилль
Кармен Эррера «Лазурь», 1965 © Музей американского искусства «Хрустальные мосты», Бентонвилль

Эррера рассматривает свои картины как полноценные вещи в мире и поэтому придает большое значение их пространственной ориентации, ритмическим взаимоотношениям с окружающей средой и архитектурой. В 2012 году она сказала: «Моя цель — найти простейшее решение задачи, которая стоит перед картиной».


Глава «Минимализм, концептуализм, процесс-арт»

Рут Асава
1926–2013

Родители Асавы были японскими эмигрантами, державшими ферму в Калифорнии. После бомбардировки Перл-Харбора отец будущей художницы был арестован, а остальные члены семьи оказались в пересыльном лагере, где Асава начала заниматься пейзажной живописью у другого попавшего туда японца, который до этого работал аниматором на студии Уолта Диснея. После освобождения, летом 1945 года, Асава совершила путешествие в Мексику, где ей довелось поучиться у Клары Порсет, кубинского дизайнера мебели и интерьера. Порсет порекомендовала девушке поступить в прогрессивный колледж Блэк-Маунтин в Северной Каролине, где она и провела 1946–1949 годы, которые стали определяющими для ее дальнейшей карьеры.

В Блэк-Маунтине тогда преподавали такие выдающиеся авангардисты, как архитектор и дизайнер Р. Бакминстер Фуллер, танцор и хореограф Мерс Каннингем, художники и бывшие педагоги Баухауса Йозеф и Анни Альберс. У Альберса Асава переняла его взгляды на цвет и рисунок, а также интерес к простым материалам. Мексиканские впечатления она дополнила во время еще одной поездки, в 1947 году: изучение техники плетения корзин, которой мастерски владели ремесленники Толуки, оказало большое влияние на переход художницы от геометрических и биоморфных рисунков к скульптуре.

В подвесных работах Асавы одна непрерывная линия проволоки, умножая спирали и петли, превращается в сложную, одновременно объемную и прозрачную форму. Эти абстрактные скульптуры, создание которых требует виртуозной работы с металлом, соседствуют в творчестве художницы с более доступными публичными произведениями. Так, созданный по ее проекту Фонтан Сан-Франциско (1973) представляет собой монументальный бронзовый рельеф со множеством фигуративных сцен, основой для которых послужили поделки из теста для лепки, выполненные двумястами пятьюдесятью детьми и взрослыми-любителями. «Меня заинтересовала идея совместного творчества, — объясняла Асава. — Подобное объединение усилий распространено в науке, в космических программах, а в искусстве его почти нет». Сочетая традиционное абстрактное искусство с коллаборативными обучающими практиками, японско-американская художница выступила первопроходцем инклюзивных арт-стратегий 1990–2000-х годов.

КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

  1. Асава принимает участие в 3-й Биеннале в Сан-Паулу (Бразилия).
  2. Вместе с Салли Б. Вудбридж Асава начинает проводить мастер-классы в Школе искусств Альварадо в Сан-Франциско.
  3. В Музее де Янга в Сан-Франциско открывается выставка Скульптура Рут Асавы: контуры в воздухе.
Рут Асава, Скульптура из проволоки. The Oakland Museum of California
Рут Асава, Скульптура из проволоки © The Oakland Museum of California

Художница говорила об этих работах: «Меня увлекала идея создания формы, которая была бы снаружи и внутри одновременно». Визуальная сложность ажурных подвесных скульптур Асавы, играющих на зыбкой границе, разделяющей позитивное и негативное пространства, особенно бросается в глаза, когда они собраны вместе.


Глава «Абстракция цифрового века»

Джоанна Унсуэта
Род. 1974

Чилийка, родившаяся в Сантьяго, в 2000 году Унсуэта переехала в Нью-Йорк, где начала делать скульптуры из войлока, воссоздавая в этом материале промышленные изделия и предметы домашнего обихода, чтобы тем самым заострить внимание на человеческом измерении производственных процессов.

В 2015 году в творчестве художницы появились большие абстрактные рисунки и акварели на свободно закрепленных листах бумаги, выдержанные в сандалово-желтых, индиговых и других тонах натуральных красителей. Заключенные в двусторонние стеклянные рамы и установленные на пьедесталы из старых деревянных балок, они демонстрируются на выставках как трехмерные объекты. Художница объясняет: «Вначале я делала их в качестве элементарных математических упражнений на тему множеств и подмножеств, параллельно размышляя о том, как это может быть связано с сообществом и коллаборацией». Для того чтобы подчеркнуть двустороннюю природу листа, Унсуэта прокалывает его иглой, а для создания симметричных круговых орнаментов использует пяльцы для вышивки, которых в ее коллекции несколько сотен. Результатом становятся формы, напоминающие декоративный текстиль или мозаичную плитку. С помощью этих замысловатых приемов художница обогащает геометрическую абстракцию элементами традиционных латиноамериканских ремесел, размывая границу между изящным и прикладным искусством, а также между фольклором и современностью. Она говорит о своих рисунках: «Это опыты наблюдения над формами природы. Они отображают новый пучок референций, составляемый жизнью, наукой, растительностью и т. д.». Их абстрактные узоры подчиняются «золотому сечению» природы — симметрии, знакомой нам по расположению крыльев насекомых и цветочных лепестков.

На создание своих рисунков Унсуэта тратит по несколько месяцев. Длительность работы отражена в названиях, фиксирующих место или места, где они делались, и время, которого они потребовали. Таким образом художница подчеркивает, насколько важны для нее регламентированные действия, абстрагированный труд и их влияние на жизнь и эволюцию человечества.

КЛЮЧЕВЫЕ СОБЫТИЯ

  1. Унсуэта показывает на 10-й Берлинской биеннале свои свободностоящие рисунки и создает специально для выставки уличную стенную роспись.
  2. В Музее современного искусства Оксфорда открывается первая персональная выставка Унсуэты в Великобритании под названием Инструменты для жизни.
Джоанна Унсуэта «Связанный с собой», 2019–2020 Собственность автора
Джоанна Унсуэта «Связанный с собой», 2019–2020 © Собственность автора

Создавая произведения, одновременно родственные научным диаграммам и связанные с человеческим телом, Унсуэта рассматривает свой творческий процесс как медитацию. Она объясняет: «Я не использую линеек и лекал, я действительно определяю все необходимые расстояния на глаз, а затем отмеряю их руками и пальцами, ориентируясь на свое тело».


Абстрактное искусство: пер. с англ. / Стефани Стрейн. — М.: Ад Маргинем Пресс: АВСdesign, 2021. — 176 с.: ил. — (Основы искусства).

Купить книгу по выгодной цене Купить в Лабиринте

Читайте главы из других книг издательства:

Стрит-арт и город. Новая книга Саймона Армстронга от Ad Marginem
«Заклятие, отгоняющее призраков: Жан-Мишель Баския»: глава из книги Оливии Лэнг «Непредсказуемая погода»
Золотой век театра в Испании и Франции: глава из книги Филлис Хартнолл «Краткая история театра»
«По следам современного искусства»: глава из книги Элис Харман

Labirint.ru - ваш проводник по лабиринту книг

Новости

29 июля 09:07Санкт-Петербург
Стихия Ивана Айвазовского

Популярное